Rétropluche

Fireball XL5

2012-02-26T15:48:00.000-05:00

En 1962 la série Supercar, qui avait connu un très bon succès, se termina. Son créateur, Gerry Anderson ainsi que sa nouvelle épouse Sylvia, planchèrent sur une autre série pour enfant dans le même régistre. A cette époque tous les gamins n'ont de yeux que pour les astronautes des missions Mercury.

Dans les cours d'école on parlait de Shepard, Glenn et de ces autres astronautes dont les exploits faisaient rêver. C'est donc de façon toute naturelle que Gerry et Sylvia Anderson orientent leur nouvelle série vers les étoiles qui portera incidemment le nom de Fireball XL5.

En version comics.

L'émission met en vedette le colonel Steve Zodiac du World Space Patrol et dont le travail consiste à effectuer des missions spatiales à bord d'une fusée sophistiquée nommée Fireball XL5. Le véhicule, même s'il opère dans l'espace, décolle de la Terre, non pas comme une fusée traditionnelle à la verticale mais bien sur une sorte de rampe de lancement horizontale très longue posée à même le sol au bout de laquelle se trouve une inclinaison vers le haut. La fusée prend son élan et, à un certain moment, Zodiac enclanche des moteurs super-puissants qui donnent à XL5 assez de vélocité pour s'élancer dans le ciel pour ensuite atteindre l'espace. Cette séquence faisait d'ailleurs partie intégrale du générique d'ouverture.

Le colonel Steve Zodiac en personne.

Le commandant Zéro.

Robert, le robot.

Fireball XL5 en approche.

Le professeur Matic.

Le poste de commandement de Space City. Pour l'ergonomie, on repassera.

Fireball XL5 sur sa rampe.

Un décor groovy!

La sémillante Vénus.

Est-ce que c'est là que George Lucas aurait puisé son inspiration pour le Millenium Falcon?

XL5 faisait partie d'une flotte de plusieurs fusées identiques dont on peut estimer le nombre à trente puisque dans un épisode particulier on retrouve Fireball XL30. La fusée comprenait en fait deux parties dont Fireball Junior lequel pouvait se détacher et opérer de façon indépendante (un concept revu dans l'autre série Cosmos:1999). Quand XL5 revenait à Space City la fusée atterrissait tout simplement à la verticale.

Le World Space Patrol avait son quartier général à Space City, sur une île (évidemment fictive) située dans le Pacifique. Le bâtiment principal, en forme de «T» avait cette étrange mais très intéressante particularité de tourner comme un radar, quoique l'on ait jamais su pourquoi il tournait ainsi. Toutefois dans un épisode particulier, quelqu'un a activé un quelquonque mécanisme qui a fait que le bâtiment tournait assez vite pour donner le vertige à tout le monde.

Space City, avec quelques voitures Matchbox ici et là.

Dans cette tour intriguante de 25 étages il y avait le grand patron, le commandant Zéro assisté du lieutenant Ninety. Steve Zodiac quant à lui, pouvait compter sur la charmante docteure Vénus, le navigateur-ingénieur professeur Matic ainsi que sur un robot transparent appelé Robert. Ah, sans oublier non plus le singe-machin-truc, Zazou, dont le vocabulaire se limitait essentiellement à «Bienvenue à la maison!». Quoiqu'il a semblé parlé un peu plus vers la fin de la série mais personnellement je détestais ce personnage. De facon amusante on retrouvait aussi Jock Campbell, l'ingénieur en chef qui se trouvait à être... écossais (tout comme un autre ingénieur en chef, Scotty, du USS Enterprise dans Star Trek).

Fusée XL-5 ne se prenait pas au sérieux car il s'agissait d'une émission pour enfants après tout, alors le réalisme avait pas mal prit le bord. Par exemple, les personnages ne portaient pas de combinaison spatiale quand ils se promenaient dans l'espace. Plutôt, ils avalaient des «pilules d'oxygène». Les communications étaient instantanées même si les interlocuteurs étaient incroyablement éloignés. Enfin...

Quelques images de la série mises en couleurs.

Pour la trame musicale de Fusée XL5 Gerry et Sylvia Anderson ont fait appel à Barry Gray, lequel avait aussi signé la musique de Supercar. Cette collaboration se poursuivra d'ailleurs d'autres séries conçues par le couple Anderson dont Thunderbirds, Captain Scarlet, Joe 90, UFO et Cosmos: 1999.

Le saviez-vous?

La voix de Robert le robot (dans le version originale) était celle de Gerry Anderson qui «parlait» via un larynx artificiel (dans la version originale).

Durant l'épisode «Space Pirates» Venus raconte une histoire et dans la bibliothèque on peut aperçevoir le livre de Supercar, l'émission de Gerry Anderson qui précéda Fusée XL5.

Pour économiser des sous on ré-employait plusieurs scènes dans différents épisodes comme la séparation de Fireball Jr ou encore les scènes de décollage ou XL5 était toujours celle qui apparaissait même si dans l'histoire c'était une autre fusée.

Les différentes approchées étaient souvent la même scène, soit la Terre où l'on voyait de façon très évidente l'Amérique du Sud.

Le jeu fabriqué par Milton Bradley.

The Cannonball Run

2012-02-22T22:29:00.000-05:00

J'ai vu ce film alors que j'en étais à mes dernières années au secondaire. Dans le temps la direction de l'école offrait des projections de films dans l'auditorium sur l'heure du midi pour la modique somme de cinquante sous. Il nous avait fallu deux dîners pour voir le film au complet.

Cannonball Run raconte l'histoire d'une course transcontinentale entre le Connecticut et la Californie où les participants peuvent utiliser le véhicule, la route de leur choix et à n'importe quelle vitesse. Le premier arrivé est évidemment le vainqueur. Ça peut sembler mince et invraisemblable comme scénario mais il n'en demeure pas moins que Cannonball Run est inspiré d'une véritable course (et parfaitement illégale), le Cannonball Baker Sea-To-Shining-Sea Memorial Trophy Dash qui s'est tenue à quatre reprises, la dernière ayant eu lieu en 1979.

Tourné en 1980 le film est sorti au cinéma en juin 1981 avec toute une brochette de vedettes jouant les différents participants à cette course complètement déginglée. Et les méthodes qu'ils utilisent le sont tout autant. Voyons voir.

Voici l'ancien pilote de course J.J. McClure (Burt reynolds) et son mécanicien Victor Prinzi (Dom DeLuise) qui se trouve doublé de temps à autres par son alter-ego Captain Chaos. Les deux compères ont choisi de faire la course à bord d'une ambulance Dodge Tradesman évidemment modifiée. Ils seront aidés d'un «médecin» aux origines et compétences douteuses joué par Jack Elam. Le rôle de la malade revint à Farrah Fawcett.

Le docteur en question. Penchez-vous et dites 33.

La "malade", debout, visiblement dans une salle climatisée.

La "malade", couchée.

Le fait que Dean Martin soit pratiquement toujours avec un verre à la main n'est pas le fruit du hasard...

Voici un autre ancien pilote de course, Jamie Blake (Dean Martin) et son vieil ami Morris Fenderbaum (Sammy Davis Jr.). Les deux ont choisi de se faire passer pour deux prêtres conduisant une Ferrari 308 GTS.

Ces deux-là ont opté pour une Lamborghini Countach et des jumpsuits en Spandex munis d'une fermeture-éclair dans le milieu. Ceci permettant évidemment de le descendre autant dans le sud que requis pour se sortir d'éventuelles arrestations pour vitesse élevée. Les policiers cafouillent et laissent partir les deux filles. Ça marche presque tout le temps.

Presque.

Voici l'équipe japonaise, Jackie Chan et Michael Hui. Ceux-ci conduisent une Subaru GL hatchback bourrée de gadgets de toutes sortes comme une vision de nuit, un turbo-propulseur hyper-puissant et autres babioles du genre. Et un lecteur VHS avec des cassettes de films de fesses. Histoire vraie.

C'est effectivement de la bière qu'ils emportent. C'était les années 70 à leur meilleur. Ou à leur pire. C'est selon.

Deux autres bons copains, Terry Bradshaw et Mel Tillis qui conduisent une voiture de stock-car.

Faites la connaissance de Seymour Goldfarb Jr. (Roger Moore), une type qui ne cesse de prétendre, à qui veut bien l'entendre, qu'il est l'acteur Roger Moore et qui, de surcroît, se prend pour James Bond. Sa voiture est une Aston Martin DB5.

Jamie Farr, connu pour M.A.S.H., joue ici un puissant Sheik, riche à craquer et qui conduit une Rolls-Royce Silver Shadow.

Sammy "Colgate" Davis Jr. et Jimmy the Greek (parce qu'il est Grec, on présume)

Faudra que j'essaie ce truc un jour.

Ça par contre...

Voilà pourquoi.

Personne ne pourra dire que Cannonball Run est un grand film (je me fie à Marc Cassivi là-dessus) et il a été calé par à peu près tous les critiques de films de l'époque mais il a tout de même été le sixième film ayant rapporté le plus au box-office en 1981. Cannonball Run ressemble à un film où une bande de copains, plusieurs des acteurs étaient de véritables amis dont Dean Martin et Sammy Davis Jr. du fameux Rat Pack, ont joué pour le simple plaisir de la chose. Le public visé, à moins que je ne me trompe, était les ados du temps, dont je faisais partie. Captain Chaos (Dom DeLuise) est à mon sens la véritable vedette du film et les séquences coupées que l'on voit durant le générique de la fin sont pratiquement aussi drôles que le film lui-même.

Comme je le disais plus haut, plusieurs acteurs de ce film étaient de vrais amis dans la vraie vie. C'est le cas de Dean Martin et Dom DeLuise, que voici dans un court sketch du Dean Martin Show à la fin des années 60. Le genre de truc qu'on ne pourrait pas voir même aujourd'hui à la télé. Notez toutefois la complicité des deux acteurs et comment ils brisent le "quatrième mur" dans ce segment.

Une ombre au tableau toutefois; durant le tournage en juin 1980 une cascadeuse, Heidi Von Beltz, fut grièvement blessée durant le tournage d'une scène. Heidi prenait place dans une voiture de cascade dont les ceintures de sauvetage ayant été enlevées, Heidi fut projetée violemment quand une camionnette, suite à une mauvaise manoeuvre, fonça dans sa voiture. si les autres occupants de la voiture s'en sont tirés avec des blessures mineures, Heidi quant à elle devint paraplégique. Une saga jusiciaire s'ensuivit quand aux responsabilités et dédomagements et ce n'est qu'en 1988 que la cour d'appel trancha en faveur de Hedi.

Le saviez-vous?

L'ambulance que conduit Reynolds et DeLuise fut réellement utilisée durant le Cannonball Baker Sea-To-Shining-Sea Memorial Trophy Dash par le scénariste du film Brock Yates, alors journaliste automobile. Yates fit la course avec un véritable médecin, le docteur Lyell Royer et la femme de Brock, Pamela Reynolds joua le rôle de la «malade» sur la civière. Durant la course de 1978 la transmission de l'ambulance brisa à moins de cent kilomètres de la ligne d'arrivée.

L'Aston Martin DB5 utilisée par Roger Moore fut originalement utilisée dans les films Goldfinger et Thunderball. Ironiquement Moore, dans tous les films où il a personifié James Bond, n'a jamais conduit la fameuse Aston Martin.

Curieusement, l'équipe japonaise est jouée par deux acteurs originaires de Hong Kong soit Michael Hui et le [maintenant] fameux Jackie Chan. bien que les deux personnages ne soient pas nommés dans le film il y a une scène de talk-show où l'hôte présente l'un des deux conducteurs comme Jackie Chan.

Chan a tellement aimé l'introduction de scènes manquées dans le générique de la fin qu'il a lui-même utilisé ce truc dans ses propres films plus tard.

Durant la scène de bataille générale avec les motards on peut y voir Peter Fonda qui reprend son rôle de Easy Rider. Son copain dur-à-cuire n'est autre que le fameux cascadeur Robert Tessier.

La Ferrari conduite par Dean Martin et Sammy davis Jr. appartenait au réalisateur Hal Needham.

Dans une scène au début du film on entend Burt Reynolds considérer utiliser une Trans-Am noire puis se ravise en disant que celà a déjà été fait. Ceci est évidemment une référence à Smokey and the Bandit, réalisé aussi par Hal Needham.

Le film devait originalement en être un d'action dont l'acteur principal devait être Steve McQueen mais après la mort de McQueen on l'offrit à Reynolds et le film devint une comédie.

Les scènes de l'ambulance sur la route ont été parmis les dernières à être tournées. Elles ont été réalisées dans un garage sombre où des techniciens faisaient bouger l'ambulance à la main. La pluie sur le pare-brise était simplement giclée à partir de boyaux.

Le tournage dura 36 jours et Burt Reynolds reçut un cachet de $5 millions pour son rôle.

Plusieurs acteurs de la distribution originale du film sont aujourd'hui décédés: Dom DeLuise, Farraw Fawcett, Dean Martin, Sammy Davis Jr., George Furth et Bert Convy.

Hal Needham devait toujours calculer près en triple le temps de tournage quand Dom DeLuise était sur le plateau parce qu'il faisait toujours rire toute l'équipe sans arrêt.

Et pour finir, une petite question-quiz: Qui a gagné la course dans le film?

Supercar

2012-02-18T23:08:00.000-05:00

Générique du début et de la fin.

Supercar c'est une autre de ces émissions qui me faisait me riveter les fesses sur le plancher devant la télé. Il y avait d'ailleurs là-dedans tout ce qu'il fallait pour faire tripper n'importe quel gamin. C'est d'ailleurs en regardant cette émission que j'avais pris l'habitude de retirer les coussins des fauteuils du boudoir et de m'en faire une cabane devant la télé. Quatre coussins étaient d'ailleurs requis.

C'est le légendaire Gerry Anderson qui avait pondu le concept de Supercar, ce machin ultra-futuriste qui pouvait voler dans les airs comme un avion et plonger sous l'eau comme un sous-marin. Il était équipé de fusée dans le derrière et d'ailes rétractables ainsi que de rétrofusées pour ralentir. En plus il y avait un srote d'écran "Clear-Vu" qui permettait de voir au travers le brouillard et la fumée. Bref, le machin idéal pour passer l'heure de pointe.

Mais Supercar, aussi Supercar qu'il pouvait être, n'était rien d'autre qu'un véhicule sophistiqué sans l'expertise de son pilote Mike Mercury, bonhomme d'âge incertain aux sourcils l'étant tout autant. Le véhicule était remisé dans un laboratoire situé à Black Rock dans le Nevada.

L'émission était assez spectaculaire pour le temps, surtout si l'on considère les contraintes de temps et d'argent. On a tout de même tourné 39 épisodes de 25 minutes entre 1961 et 1962 à raison d'un épisode par semaine. Tous les épisodes étaient évidemment finement ciselés pour être tout à fait certain que tous les p'tits prouttes comme moi les regardent sur le bout des fesses. Et ça marchait. Que Mike Mercury aille sauver un bathyscaphe dans les profondeurs du Pacifique, qu'il fasse foirer les plans d'un méchant visant à voler Supercar, qu'il se rende à Londres pour aider Scotland Yard à coincer des voleurs de banque et quoi encore!!

Tout le concept de l'émission reposait évidemment sur des miniatures, tant les décors que les véhicules et, bien entendu, les personnages. Et ceux-ci reposaient sur le concept de «Supermarionation", un concept innovateur qui faisait que les personnages avaient des yeux et des bouches qui bougaient. Les fils auquels étaient suspendues les marionnettes ne servaient pas seulement qu'à animer les marionnettes mais aussi à transmettre le courant électrique activant les yeux et la bouche. Les corps étaient faits de bois avec des points d'articulation très simples. Comme on ne voyait jamais les personnages torse nu seules les têtes et les mains étaient peintes couleur chair.

La fabrication était assez simple, voire rudimentaire. Des articulations simples et un corps fait en bois.

Le mécanisme dans la tête, permettant de faire bouger les yeux et la bouche. Beaucoup plus tard, dans la série Captain Scarlet ce même mécanisme sera miniaturisé, permettant de réduire la taille des têtes.

Image tirée d'un documentaire où l'on peut voir la taille relative des personnages.

Superspy n'était autre qu'une pissante caricature du grand patron de la compagnie de production et distribution de télévision ITC, Lew Grade.

Les marionnettes, si elles étaient tout de même ingénieuses, avaient un vilain défaut. Elles avaient l'air parfaitement débiles quand elles devaient marcher et ce, même si les manipulateurs avaient beaucoup de maîtrise. Gerry Anderson, le concepteur de la série, avait dit qu'il avait créé le véhicule futuriste (Supercar) pour réduire le temps «de marche» des marionnettes. C'est d'ailleurs un problème qui ne sera jamais complètement règlé même dans les séries subséquentes.

La vedette de l'émission était évidemment Supercar lui-même. Le véhicule avait été conçu par Reg Hill et on retrouvait deux versions; l'une fabriqué en bois léger et plexiglas mesurant cinq pieds permettant d'y installer Mike Mercury et une autre, beaucoup plus petite pour les plans de vue éloignés et qui ne mesurait que neuf pouces.

Une maquette de Supercar très prisée par les collectionneurs.

La série faisait tripper le gamins alors on s'est appliqué à commercialiser des produits dérivés qui furent assez populaires maintenant très convoités sur le marché des collectionneurs et qui commandent des prix assez élevés, on l'aura deviné.

Le saviez-vous? C'est durant le tournage de l'émission que Gerry Anderson épousa Sylvia Tham, son assistante de production. Ils se sont mariés au cours d'une brève cérémonie au milieu d'une journée pour ensuite retourner en studio afin de continuer à travailler sur la série.

Le modèle en métal moulé de Supercar en noir et blanc et fabriqué par Product Enterprise. Avec un peu de chance il peut encore être trouvé à condition d'être prêt à débourser.

Les posters phosphorescents

2012-02-15T21:33:00.000-05:00

Le poster phosphorescent fait partie du folklore populaire des années 70 et à peu près tous les ados de l'époque en ont eu au moins un. On les retrouvait chez la plupart des disquaires mais aussi dans de nombreuses boutiques, surtout dans le centre-ville.

Il y en avait avec des motifs psychédéliques, des félins, des groupes rock, des motos, etc... Ces posters étaient composées de couleurs qui semblaient irréelles et dont les noirs étaient recouverts d'une fine couche de ce qui paraissait être du velours. Pour l'oeil ordinaire ces posters semblaient tout à fait ordinaires, peut-être un peu étranges mais c'est sous la lumière ultra-violet (black light) qu'ils révélaient leur vraie nature: la fluorescence. Et avec une musique appropriée, une bonne compagnie et (préférablement) des parents partis pour la fin de semaine, il y avait là tous les éléments pour découvrir certains charmes tout particuliers de l'adolescence. Ho ho hi!

La canette et le géant

2012-02-02T22:15:00.000-05:00

Le fameux géant Ferré, de son vrai nom André Roussimoff, était reconnu pour sa grande taille mais aussi pour un penchant très peu dissimulé pour la nourriture et l'alcool. Pas étonnant qu'il apparaisse dans une pub de bière, en l'occurence ici Labatt en 1984, où l'on met l'accent sur le gigantisme d'André.

Mais si vous voulez avoir une véritable idée de la grosseur de ses mitaines, prenez une canette de bière dans votre main et comparez votre poigne avec celle d'André qui en tient une lui aussi, ça vous donnera une idée.

Stretch Armstrong

2012-01-28T21:40:00.000-05:00

On n'arrêtait pas l'innovation dans la conception des jouets durant les années 70. L'un des exemples les plus probants est un personnage du nom de Stretch Armstrong, mis sur le marché par Kenner en 1976. Vous vous demandez probablement c'est quoi Stretch Armstrong est qu'est-ce qui le rendait si original?

Stretch, comme son nom l'indique, était un personnage qu'on pouvait étirer joyeusement dans toutes les directions. De sa taille initiale de 15 pouces il pouvait atteindre presque quatre à cinq pieds. Il suffisait de le relâcher pour qu'il reprenne rapidement sa forme initiale. Le secret de Stretch n'en était pas réellement un; il avait une peau en caoutchouc et l'intérieur n'était rien d'autre qu'un gel fabriqué avec du sirop de maïs.

En raison des matériaux utilisés Kenner recommandait que Stretch soit replaçé dans sa boîte lorsqu'il n'était pas utilisé. On évitait ainsi qu'il s'abîme inutilement ou accidentellement. Le bonhomme avait beau être extensible mais il n'était pas à l'épreuve des déchirures. Le livret d'instructions fournissait d'ailleurs des instructions précises pour réparer Stretch si jamais quelque chose du genre se produisait. Certains ont malheureusement été perçés au-delà de toute réparation possible.

Deux ans après sa mise en marché Kenner a introduit l'ennemi de Stretch Armstrong incidemment appelé (et très originalement) Stretch Monster, sorte de bibitte reptilienne verte dotée des mêmes propriétés élastiques que l'autre Stretch et rempli lui aussi de sirop de maïs.

Mais le principaux ennemis des deux personnages n'étaient pas l'un ou l'autre mais bien le temps et les conditions d'entreposage; deux éléments jouant malheureusement contre eux et qui ont rendu plus d'un Stretch parfaitement inutilisables. Juste bons pour les poubelles.

Cepandant il s'est trouvé un certain nombre de ces bonhommes qui ont pu survivre jusqu'à aujourd'hui et qui vont chercher, on peut certainement s'en douter, des prix assez considérables; de quelques centaines à quelques milliers de dollars, tout dépendant de la condition.

Le saviez-vous? Durant la période de production de ce jouet Kenner a été le plus gros acheteur de sirop de maïs des États-Unis.

Big Wheel

2012-01-21T20:53:00.001-05:00

Durant les étés de mon enfance il y avait des sons particuliers et tout à fait propres à cette période; les souliers de course sur l'asphalte, les cordes à linge qui grinçaient, les ballons qui rebondissaient sur le sol et celui d'un Big Wheel roulant sur le trottoir.

Le Big Wheel dans toute sa splendeur de plastique.

Le Big Wheel est un tricycle entièrement fait de plastique qui fut mis sur le marché en 1969 par la compagnie de jouets Marx. Tout le plastique qui le composait était creux, même les roues et quand celles-ci roulaient sur les petites garnottes du trottoir ça produisait ce fameux son si unique et si caractéristique. Les trous devant le siège permettaient d'ajuster celui-ci pour les enfants plus petits. La poignée bleu près de la roue arrière était le frein qui, avec un peu de pratique, permettait de faire des freinages spectaculaires.

Comme il ne coûtait pas très cher à produire il se vendait à prix très raisonnable et ce faisant, le Big Wheel est rapidement devenu extrêmement populaire chez les gamins. D'ailleurs le concept fut assez rapidement copié par plein d'autres compagnies mais Big Wheel c'était Big Wheel et peu de chose pouvait rivaliser avec l'original. Assez solide, on ne risquait pas de crevaison et possiblement le seul problème qu'on pouvait rencontrer c,était la perte des pédales, quoique c'était toujours possible de continuer à pédaler sur les tiges.

La mystérieuse sur la pochette

2012-01-17T21:40:00.000-05:00

J'étais très jeune, probablement trois ou quatre ans, quand je me suis pris d'affection pour cet album de musique. Je pouvais pas le mettre sur le tourne-disque, enchâssé dans un grand meuble, alors je devais demander.

Blooming Hits de Paul Mauriat et son orchestre avait un je-ne-sais-quoi qui faisait que je restais tranquille à l'écouter pendant que j'étais carrément fasciné par la photo sur la couverture. Il y avait là une femme nue (oh!) et habilement peinturlurée avec des motifs sur une bande verticale qui descendait le long de son côté droit. Ce n'était pas tant tellement la nudité du modèle (je vous jure) qui m'intriguait tant que la peinture qu'elle avait sur le corps, surtout le papillon dans la figure et qui la rendait autrement plus mystérieuse.

Aujourd'hui cet album fait partie de ma collection et j'avoue ne pas détester remettre ce 33-tours sur ma table-tournante. Faut comprendre qu'il ne s'agit pas ici d'un grand disque. C'est de la muzak, en autant que je sois concerné mais ce n'est pas particulièrement mauvais quand l'envie me prend de lire un livre tranquille au salon ou de faire quelques petits travaux comme de la peinture. Par contre je me suis toujours demandé QUI était cette femme sur la pochette.

AH! Que je me suis dit. Avant cette question serait demeurée sans réponse mais aujourd'hui avec des outils comme l'internet et Google, des secrets, y'en a plus. Quelques clics de souris et la réponse arriverait. Comme ça.

Je crois que c'est une des rares fois ou ces deux-là m'ont déçu. Aucune réponse. Même après dix minutes. On sait que toute recherche est vaine quand on est rendu à la page 5 d'une recherche sur Google. Par contre sur certains forums il y a mention, sans confirmation cepandant, qu'il s'agirait de l'actrice Julie Newmar, rendue célèbre par son rôle de Catwoman dans la série télé Batman (rôle qu'elle a partagé avec Lee Meriweather et Ertha Kitt). Serait-ce Julie? Le mystère demeure entier, même en cette ère d'information-éclair.

Pour ceux et celles qui voudraient entendre le morceau le plus populaire de ce disuqe alors voici:

Matchbox

2012-01-14T22:08:00.003-05:00

Les gars, si je vous dis le mot Matchbox, il y a de grosses chances pour qu'il agisse comme une bougie d'allumage dans la boîte à souvenirs de votre enfance. On a tous joué dans la maison, dans la cour arrière ou sur le trottoir (et possiblement ailleurs) avec ces voitures. On leur en a fait voir de toutes les couleurs en les faisant rouler à des vitesses (proportionnelles) de fou, sans compter les cascades impossibles et les accidents.

Si vous êtes assez vieux (comme moi, ho ho hi) vous avez probablement connu les modèles aux roues dures des années soixante et qui se vendaient, incidemment, dans des boîtes de carton.

Matchbox, faut comprendre, n'était pas le nom de la compagnie mais bien une marque de commerce. Celle-là, s'appelait Lesney et avait été fondée en 1947 par Leslie Smith et Rodney Smith, deux britanniques qui n'avaient cepandant aucun lien de parenté. La compagnie, à ses débuts, faisait dans le métal moulé industriel. Pas tellement longtemps après les deux partenaires ont embarqué à bord un certain John Odell, lequel louait un espace dans l'édifice de Lesney pour y fabriquer ses propre trucs en métal moulé.

Lesney recevait des petites commandes de pièces variées ici et là mais est venu un moment où les carnets n'étaient pas épais alors on a décidé de commencer à fabriquer des jouets en métal moulé dès l'année suivante. Par contre, Rodney Smith considérait la compagnie ne deviendrait certainement pas riche à fabriquer des petits véhicules en métal moulé et décida de s'en aller en 1951, laissant Leslie Smith et John Odell aux commandes de l'entreprise.

En 1953 Lesney a fabriqué une reproduction, à l'échelle évidemment, du carrosse royal de la Reine Elizabeth II justement couronnée cette année-là. Ils en ont fait un gros puis un plus petit. C'est ce dernier qui fut très populaire et vendu à quelque chose comme un million d'exemplaires. Tout de même, pour l'époque, fallait le faire. Chose certaine ces ventes ont permis à Lesney de faire beaucoup d'argent et c'est avec cet argent-là qui allait bientôt servir de tremplin financier pour les projets à venir.

Justement.

La fille de John Odell fréquentait une école qui avait un règlement étrange mais strict: les enfants pouvaient apporter n'importe quel jouet avec eux mais à condition que ça puisse entrer dans une boîte d'allumettes. Odell a dont fabriqué un véhicule vert et rouge qu'il glissa dans une telle boîte et que sa fille put emporter avec elle. C'est là qu'est venue l'idée de vendre des véhicules dans des boîtes de cartons aux dimensions assez similaires à celle pour les allumettes. La marque Matchbox fait donc ses débuts en 1953.

Et ça marche!

Au courant des années qui suivent on voit une gamme de voitures de plus en plus diversifiée; des voitures britanniques au début (c'est ti-vi-dent) mais qui s'est ensuite élargie avec des voitures françaises puis, plus tard, américaines. Lesney fabriquait ses voitures d'après tout un tas de photos détaillées de véritables voitures et on allait même jusqu'à obtenir les plans de construction des fabriquants.

Tracteur caterpillar des années 50.

La mention Moko-Lesney sur la boîte fait référence à un associé, Moses Kohnstam, dont la compagnie s'occupait de distribution et mise en marché. Il a été racheté par Lesney.

Les détails impressionnants des voitures produites, couplés à la façon ingénieuse de les vendre (petites boîtes) et avec un prix de vente très bas a permis à la marque Matchbox de s'imposer et de dominer carrément le marché. Ça se vendait très bien en Angleterre mais aussi aux États-Unis.

Parlant des États-Unis.

Les affaires de Lesney roulaient la pédale dans le tapis et visiblement les compagnies de jouets américaines dormaient carrément au gaz. Enfin, jusqu'à ce que Mattel se réveille. Et bordel que la compagnie s'est réveillée. Plutôt que de bêtement copier les voitures Matchbox Mattel a décidé d'y aller avec une véritable révolution. Et elle portait un nom qui allait bientôt devenir un classique:

Des voitures exagérées, pas toujours à l'échelle mais peinturées avec des peintures métalliques flamboyantes (Spectraflame) et dotées de roues sport larges avec des bandes rouges. de plus, les voitures étaient équipées de suspensions et de systèmes de roulement très doux. Cette série, 16 voitures au début (Sweet 16), s'appela Redline et fut mise en marché dès 1968. De plus, on pouvait utiliser ces voitures avec toute une foule d'accessoires dont des pistes de course avec éléments motorisés (superchargers), compteurs de tours, boucles et compteurs de vitesse. Hot wheels fut un succès monstre instantané et chez Lesney les ventes ont chuté comme le coyote en-bas d'une falaise. Ce qui se passa chez Lesney ne peut s'exprimer que par un seul mot:

Panique: adj. Se dit d'une terreur, d'une peur soudaine.

Chez Lesney on a donc réagi, avec une vitesse surprenante en créant la série Superfast. Mais ce ne fut tout de même pas assez pour éviter les soucis financiers. Pour cette série on avait utilisé les voitures de 1969 et remplacer les roues de plastique dur par des roues plus sport et avec une faible friction. Toutefois les moules des voitures n'avaient pas été faits pour des roues larges alors on a dû les faire un peu plus minces. Ces voitures-là sont dites de transition.

En 1970 la refonte des modèles est terminée et la série Superfast comprend aussi, comme Hot Wheels, des pistes de course. On a aussi fabriqué des séries différentes et distinctives comme des véhicules plus gros (King Size, Super Kings et Speed Kings). On a aussi fabriqué une série de voitures électriques rechargeables (Scorpions) afin de compétitionner
avec les fameuses Sizzlers de Hot Wheels. Mais bon, c'est un truc qui a fait patate (disons). Les Rola-Matics quant à eux furent assez intéressants. Il s'agissait de voitures ordinaires mais dotées de petits mécanismes ingénieux activés par le mouvement des roues.

Un bon exemple du système Rola-Matics est ce véhicule dont le mouvement des roues faisaient tourner en rond le lion dans la boîte arrière.

Véhicule ambulancier (Mercury) de la série King Size.

Camion de pompiers de la série Super Kings.

Voiture de la série Scorpions.

Au milieu des années 70 Matchbox avait pas mal repris des forces et pouvait se mesurer nez-à-nez (pare-choc à pare-choc?) avec Hot Wheels mais Mattel avait une fois de plus innové avec un concept d'impression sur les voitures qui portait le nom de «tampo printing». Matchbox essaya de suivre la cadence avec son propre système baptisé «Streakers».

Corvette avec imprimés semblables à ceux des Hot Wheels.

Les modèles Streakers étaient bien identifiés.

Le début des années 80 par contre fut assez glauque et financièrement Lesney commençait à manger de la bouette. Pas parce que Matchbox ne se vendait pas bien, au contraire, mais plutôt à cause des conditions économiques merdiques qui sévissaient en Angleterre à ce moment-là. Et puis en 1982 est arrivé ce qui devait arriver; Lesney fit banqueroute et la compagnie fut placée sous administration judiciaire. La marque Matchbox fut alors vendue à Universal Toys et à un certain David Yeh.

Dix ans plus tard Universal Toys chercha à vendre la marque Matchbox et c'est la compagnie Tyco Toys (dont on se souvient surtout pour ses pistes de courses électriques) qui en fit l'acquisition. En 1997 la divison de jouets de Tyco, qui incluait bien entendu Matchbox, fut à son tour achetée par... Mattel, unissant ainsi sous un même toît corporatif les deux anciens rivaux.

G.I. Joe

2012-01-07T20:55:00.000-05:00

Dites les gars, vous vous souvenez de G.I. Joe? Non, je ne parle pas de la version moderne qui se tape sur la gueule avec «Cobraaaaaaa» mais bien des G.I. Joe d'avant ça. Avant l'arrivée des petites figurines à la «Star Wars» en 1982.

G.I. Joe est une affaire qui a commençé au début des années 60 chez Hasbro, compagnie de jouets bien connue. Dans ce temps-là les filles jouaient avec des Barbie depuis un bon bout de temps mais les garçons eux, n'avaient pas d'équivalent. On s'est alors dit que ce serait sûrement une bonne idée de fabriquer des poupées avec lesquelles les p'tits gars pourraient s'amuser.

Holà!

- Excusez-moi, quelqu'un a probablement dit chez Hasbro, bien que l'idée de concevoir des poupées pour les garçons ne soit pas mauvaise, je n'ai pas tout à fait l'impression qu'ils vont, justement, vouloir jouer avec un truc qui porte le nom de poupée. On peut pas appeler ça une poupée.

L'argument, faut l'avouer, était assez valide. Et c'est comme ça que l'on a trouvé un autre nom pour le concept, soit celui de «action figure» qui, traduit directement en français donnerait «figurine d'action». Enfin, chez Hasbro on s'est alors donné le mot partout, spécialement au département de la mise en marché, quant à l'appelation de «action figure». Une affaire bien importante si on voulait que les garçons accrochent.

On a rapidement décidé que les figurines seraient de type militaire et c'est là que Hasbro a pondu trois prototypes; Rocky le soldat, Skip le marin et Ace le pilote d'avion. Sitôt les prototypes approuvés la production a commençé via une usine de Hong Kong. Les noms des figurines ont toutefois disparu pour devenir finalement Action Soldier, Action Sailor, Action Pilot et Action Marine et qui furent désignées comme étant «G.I. Joe: America's moveable fighting man». Les figurines par contre n'étaient pas vendues toutes seules comme ça, que non. Hasbro avait concocté toute une floppée d'accessoires et même des véhicules dans lesquels les personnages pouvaient prendre place.

Dès son lancement en 1964 G.I. Joe est rapidement devenu très populaire. Moins populaire par contre était la guerre du Viet-Nam. Hasbro a donc décidé de minimiser l'aspect militaire de G.I. Joe pour finalement le faire disparaître complètement en 1969. On en a alors profité pour redémarrer la franchise sous une autre forme.

C'est comme ça que Hasbro a pondu «G.I. Joe Adventure Team» en 1970. G.I. Joe n'était alors plus un soldat, un marine ou un pilote d'avion de chasse mais un aventurier. En fait, il s'agissait de toute une équipe d'aventuriers qui remplissait tout un tas de missions de sauvetage, de prévention de catastrophes écologiques ou d'exploration de montagnes, de fonds marins et de déserts. Un des trucs les plus caractéristiques de cette nouvelle lignée était les cheveux et la barbe qui semblaient vrais. C'était là une innovation de la compagnie britannique Palitoy, alors licensée par Hasbro.

On retrouvait donc au total neuf figurines dont trois qui avaient l'étonnante particularité de pouvoir parler. Pour ceux qui ont pas connu laissez-moi expliquer. Il s'agissait en fait d'un mécanisme ingénieux qui se trouvait dans la poitrine de Joe où il y avait un tout petit haut-parleur ainsi qu'un cordon que l'on pouvait tirer et qui faisait dire à Joe huit phrases pré-enregistrées dont la fameuse «J'ai une mission importante à vous confier".

C'est justement cette figurine-là que l'on m'a offert alors que je n'avais pas tout à fait cinq ans. Je l'aimait bien mon Joe et je lui ai fait vivre tout plein d'aventures un peu partout et que je prendrai probablement la peine de vous raconter un de ces quatres. Joe a pas mal prit sa retraite depuis un bon bout de temps mais au lieu de le laisser bêtement dans la boîte où il se trouvait depuis des années je lui ai confié entre autres la surveillance de mon salon. Sa boîte vocale fonctionne encore aujourd'hui mais ne dit plus qu'une seule phrase d'une voix tout de même assez grippée. Considérant son âge et toutes les aventures qu'il a vécu, dont un plongeon bien accidentel dans le bain quand je devais avoir six ans, il tient quand même une bonne forme. Il n'a même pas perdu ses cheveux le bougre.

Chose étonnante, mon G.I. Joe fut acheté au Bric-à-Brac sur Ontario mais il s'agissait de la verson en anglais.

Mais Joe n'est pas seul. Au cours des années se sont greffés d'autres Joes, des rééditions pour la plupart dénichées pour la plupart dans des ventes de garage ainsi que dans un commerce du centre-ville qui s'en débarassait à prix de débâcle.

La Jeep beige qui a exploré pas mal tous les coins et recoins de ma cour arrière (et un peu au-delà aussi) est toujours là même qu'elle a gardé pas mal tous ses morceaux, incluant le volant qui se perdait toujours facilement puisqu'il était détachable. Même chose pour les petites chaînettes qui retenaient le hayon arrière.

Faut pas oublier mon fidèle hélicoptère (dans le coin supérieur droit de la photo ci-haut) qui semblait tellement faire peur au chien quand j'étais petit. Aujourd'hui au lieu de survoler la cour et l'intérieur de la maison il fait du vol plutôt stationnaire mais surveille tout de même ce qui se passe dans le salon. Sait-on jamais. Et en cas d'innondation deux Joes sont prêts à intervenir, dont un en habit de scaphandrier. Tout est prévu.

Le saviez-vous?

- Un des prototypes de G.I. Joe a été mis en vente dans un encan en 2003 par Héritage Auctions Galeries et fut adjugé pour $200,000.

- Hasbro savait que le concept de G.I. Joe serait copié alors on a plaçé sur les figurines deux marques distinctives soit la fameuse ciactrice sur la joue mais aussi le pouce d'une des deux mains dont l'ongle était en-dessous du doigt. La compagnie de jouets Mego, voulant assurément surfer sur la vague G.I. Joe conclut un contrat avec une usine de Hong Kong pour produire une imitation appelée «Fighting Yank». Sauf que l'usine a utilisé un moule G.I. Joe et quand les figurines «Fighting Yank» sont apparues avec le même pouce Hasbro a plaqué Mego solidement dans la bande via une poursuite légale en Cour de justice. Hasbro a évidemment gagné.

Joyeux Noël à tous!

2011-12-25T11:13:00.003-05:00

Me voilà, Noël 68, haut comme une pomme et déjà propriétaire d'une rutilante voiture de course. Dotée d'une carrosserie monocoque en plastique elle était aussi munie d'un volant à l'huile de bras et d'une direction plutôt assistée par ma mère quand j'allais foncer dans un mur. On aurait eu beaucoup de difficultés à trouver un gamin plus content que moi. Non mais quel cadeau!

Sur ce chers amis je vous souhaite de passer une très joyeux Noël avec les vôtres et amusez-vous bien!

L'anxiété de Noël

2011-12-23T19:54:00.000-05:00

L'école venait de finir et faisait relâche pour le temps des fêtes. Merveilleuse période sans devoirs ni leçons où il y aurait des cadeaux et de la bonne bouffe à des heures impossibles. A quelques jours de noël le p'tit proutte que j'étais ne tenait pas en place. Un de mes petits plaisir coupable à cette époque était de m'étendre sur mon lit et de feuilleter les catalogues qu'on avait dans la maison. La section des jouets, évidemment dont je partage avec vous quelques pages.

Le gros bonhomme rouge

2011-12-15T19:57:00.002-05:00

Tenez, me v'la en décembre 1967 au magasin Eaton du centre-ville à quelques semaines de Noël. Il s'agit ici de ma première rencontre avec cet étrange personnage qui supposément apporte des cadeaux à la maison durant la nuit de Noël. Comme on peut le voir je n'avais pas tellement peur du bonhomme.

Le magasin Eaton dans ce temps-là et durant cette période de l'année c'était quelque chose. Entrer dans le département des jouets c'était comme entrer dans un autre monde tellement il y avait des décorations partout. Ah, et puis y'avait aussi le fameux p'tit train; merveilleuse réplique d'une véritable locomotive à vapeur (mais qui ne fonctionnait pas à vapeur, soyez sérieux!).

Je ne me souviens pas très exactement ce que j'ai pu lui demander au Père Noël, ça fait un p'tit bout de ça quand même. Mais il n'a pas été chiche si je prends en considération ce qu'il m'a donné la veille de Noël. Et les Noëls suivants. Je vous montrerai ça bientôt, vous verrez.

Comme tous les gamins j'ai cru au Père Noël mais en ce qui me concerne ça n'a pas duré bien longtemps. Dès l'âge de cinq ou six ans j'avais parfaitement saisi le truc puisque j'avais cette habitude de fouiller partout. Le dessous du lit (pas le mien) n'était pas exactement une cachette à mon épreuve, loin de là. Imaginez ma surprise quand j'y ai découvert un jeu de hockey sur table. Ben didon, que je me suis dit, soit le Père Noël est trop occupé pour m'amener mes cadeaux la veille ou bedon on me racontait des bobards. La conclusion fut assez facile à tirer. J'ai tout de même continué à aller m'asseoir sur les genoux du bonhomme parce que bon, ce qu'on ferait pas pour un suçon gratis.

Les guimauves Jet en 1979

2011-12-07T21:14:00.001-05:00

Si les années 50 ont été celles de la couleur et que les années 60 ont été celles du «peace & love», les années 70 ont été celles du sucre. Oui mes amis. Les céréales, les biscuits, les gâteaux, bref. C'était bon, c'était accrocheur, c'était vendeur.

Dans cette pub de 1979 on ne s'en formalise pas du tout. De la guimauve? Un panier bien plein. Et pas trempées dans une mopette de fondue au chocolat, que diable! Dans une fondue au CARAMEL!!!! Trempez d'aplomb!

Mais le truc absolument impayable dans cette pub c'est la voix hors-champs qui annonce les guimauves dans le caramel Kraft comme si c'était une mousse au caviar. Un peu plus et on aurait eu droit à du Beethoven en sourdine.

Une autre époque

2011-11-26T22:38:00.001-05:00

Très bonne discussion édifiante à souhait avec quelques bons amis il n'y a pas si longtemps sur les grands musiciens.On discutait batteurs, guitaristes et chanteurs. Ca m'a ramené pif-poil dans les années 70, là où j'ai quitté l'enfance pour entrer de plain pied dans l'adolescence. Période étrange d'entre deux aussi, où les goûts et intérêts naissants de ladite adolescence commençaient à se mêler à ceux de l'enfance dont un certain nombre d'entre eux commençaient à S'estomper. Cette mixité prenait d'ailleurs parfois des allures un peu étranges.

J'étais à ce moment assez ignorant en matière de musique. Celle-ci était quelque chose de... comment dirais-je? d'accompagnateur. Voilà. J'avais dans ma chambre un petit tourne-disque Dorchester tout en plastique (mais qui jouait quand même pas si mal) et qui servait essentiellement à y faire jouer tout un fouilli impossiblement hétéroclite de 45-tours dépareillés comme ça se peut pas. Qui plus est, je les écoutais très généralement d'une oreille pas très attentive quand je m'adonnais à construire (lire: bousiller) des modèles à coller ou à dessiner. Et j'ose même pas ici décrire ce qu'étaient ces 45-tours. Rien de bien contemporain pour le temps, c'est tout ce que je peux vous dire.

Dès ma première année à l'école j'ai immédiatement été mis en contact avec tout un paradigme musical. Dans ce temps par de maudits téléphones cellulaires, pas de foutus textos et autres cochonneries du genre, alors durant les pauses, entre les cours ou durant le dîner on bavassait ensembles. L'un des sujets de conversation les plus populaires était bien entendu la musique. A écouter les autres j'ai vite réalisé que je connaissais pas grand chose alors j'ai pris des notes dans ma tête, des noms de chansons, de groupes et d'albums.

Dans ce temps-là il n'y avait pas cinquante-six façons d'écouter de la zizique et la plus populaire était bien entendu le fameux 33-tours. Y'avait la cassette audio aussi mais dans les années 70 c'était pas très populaire à l'école parce que bon, c'était pas tout le monde qui possèdait un «tape deck».

En peu de temps on m'avait passé des disques de AC/DC, Queen, les Stones. Pink Floyd, The Who, CCR, The Doors... Bref. J'essaie d'imaginer les cheveux de ma mère qui ont défrisé d'une traite quand elle a entendu les riffs de Jimmy Page provenant de ma chambre. Ouch! Mais n'empêche qu'a partir de ce moment-là j'avais découvert ce qu'était réellement la musique et par définition un tout autre monde. Je n'ai certainement pas tout abandonné complètement mes anciennes passions, loin de là, mais au moins j'avais l'air moins con quand on parlais zizique à l'école.

Toutefois rien ne symbolise autant mon éveil musical du milieu des années 70 comme ce monolithe immuable:

Led Zeppelin

C'était une autre époque; pas de synthétiseur, pas d'Autotune pour corriger les défaillances vocales, pas de sampling, pas de bling-bling ou de Macbook qui gère tout. Seulement des gars avec du talent à l'état brut et dont les moules ont été cassés il y a longtemps.

Pour l'occasion je vous offre aujourd'hui une prestation «live» de «Stairway to Heaven» qui est considéré comme un des plus grands classiques du rock, au Madison Square Garden de New York en 1973. Un vidéo où l'on apprécier Led Zeppelin à son meilleur; les envolées vocales de Robert Plant, la basse rassembleuse de John Paul Jones, les percussions incroyables de John «Bonzo» Bonham ainsi que la juste mesure de l'extraordinaire talent de Jimmy Page dans un solo absolument décoiffant (qui démarre vers 6:30) et comme j'en ai rarement entendu. Observez vers la huitième minute toute l'émotion de Page qui semble carrément dialoguer avec sa double guitare. C'était une autre époque.

Lancelot Agent Secret

2011-11-14T22:11:00.001-05:00

Lancelot Agent Secret est une autre de ces émissions complètement craquepottes qui faisait le délice des gamins du début des années 70 comme moi. Ça jouait le samedi matin, parfois le dimanche, et ça mettait en vedette tout un tas de chimpanzées tous accoutrés avec des costumes.

Essentiellement il s'agissait d'une sorte de parodie de la série TV «Get Smart» avec un clin d'oeil aux films d'espions. La bande des bons portait le nom de APE alors que les vilains étaient CHUMP. Bref, on ne s'ennuyait pas avec Lancelot!

Cette série qui a joué de 70 à 72 bénéficiait d'un budget dans les sept chiffres. Les auteurs principaux de l'émission «The Carol Burnett Show» ont apparament quitté cet emploi pour pouvoir travailler sur Lancelot.

L'intro de l'émission:

The Great Bank Robbery:

Ponderosa

2011-11-07T19:46:00.002-05:00

Y'a quelqu'un d'entre vous qui se souvient de ce restaurant? Il y en avait un sur Jean-Talon entre Langelier et le boulevard des Galeries d'Anjou, du côté sud. Dans les années 70 dans ma famille une visite chez Ponderosa se faisait généralement le dimanche midi et ça c'était une sortie qui faisait pas mal mon affaire.

Le look du restaurant était pas mal de style "ranch". Quand on entrait à l'intérieur on se dirigeait vers la droite où il y avait un long comptoir. Là, on se prenait un cabaret qu'on faisait glisser et c'est là que l'on choisissait ce qu'on voulait manger. Je me souviens très bien du gril où les cuistôts faisaient tourner le steak, envoyant une longue flamme dans les airs avec le bruit de crépitement si caractéristique. Ils mettaient aussi des triangles en métal avec des chiffres pour définir les types de cuisson.

Pour moi c'était toujours la même chose: un bon gros hamburger bien cuit avec frites. Tous les mets étaient servis dans des assiettes en métal inox enchassés dans une autre en bois. Pas besoin de vous dire que j'ai été pas mal déçu quand j'ai vu le restaurant s'en aller. En fait, la compagnie qui opérait cette chaîne a décidé en 84 de fermer toutes les concessions au Canada. Ensuite c'est un Red Lobster qui s'est installé là et maintenant c'est un Boccacinos. Je donnerais quand même cher pour revoir le bon vieux Ponderosa se réinstaller tel qu'il était dans les années 70. Une autre de ces franchises dont je m'ennuie.

Joyeux Halloween!!!!!

2011-10-31T21:04:00.007-04:00

Un joyeux Halloween à tous!!

Spécial Halloween: Accessoires de dernière minute

2011-10-30T13:47:00.001-04:00

L'Halloween est non seulement à nos portes mais est présentement en train de prendre le bord de la porte un peu partout, gracieuseté des bébelles de Noël qui commençent à nous innonder d'un peu partout. Et ce n'est que dans deux mois! Quand j'étais gamin on ne voyait jamais les affaires de Noël avant que l'Halloween soit au moins passé.

Avant de partir se promener dans les rues avec nos citrouilles en plastique on s'assurait que notre costume soit complet. Évidemment si on mettait un ensemble Ben Cooper on n'avait pas grand chose à faire. Encore moins s'il faisait assez froid et qu'il fallait mettre notre manteau par-dessus le costume où dans ce cas-là valait mieux juste mettre le masque, comme c'est arrivé à un ami dans les années 70 qui a passé l'Halloween avec sa tuque des Expos par-dessusson masque...

Avec un peu de chance il faisait pas trop froid et il arrivait souvent à la dernière minute qu'il manque un petit quelque chose. Un détail. Un machin-truc. Heureusement, de ça, y'en avait tout plein dans les magasin, même le jour de l'Halloween. Comme ceux-ci, par exemple:

Spécial Halloween: Bugs Bunny dans Transylnania 6-5000

2011-10-29T14:04:00.003-04:00

Quoi de mieux par un samedi frisquet que de rester à l'intérieur pour regarder de bons vieux dessins animés. Aujourd'hui je vous en propose quelques uns sur le thème de l'Halloween.

Le premier met en vedette Bugs Bunny dans Transylvania 6-5000, un dessin-animé réalisé en 1963.

Quelques petits éléments intéressants:

Avez-vous noté la chanson qui joue quand Bugs tire sur la corde à 1:10? Il s'agit de «Funeral March of a Marionette» qui fut utilisé pour l'émission Alfred Hitchcock Presents.

On note une gaffe de scénario; à chaque fois que la formule abracadabra est prononçée le Comte se transforme en chauve-souris et quand c'est hocus pocus le comte redevient lui-même. Or, la première fois que le Comte utilise la formule hocus pocus il devient une chauve-souris.

Le Comte s'appelle Count Bloodcount, et non Dracula.

Le second dessin-animé est Hare-Raising Hare qui lui fut réalisé en 1946 par Chuck Jones alors que le Seconde guerre n'était terminée que depuis un an à peine.. Au niveau de l'animation j'avoue en toute honnêteté qu'il s'agit là d'un de mes favoris.

Quelques petits éléments intéressants:

Le scientifique est une caricature de l'acteur Peter Lorre, évidemment inconnu ou à peu près des générations d'aujourd'hui.

Le monstre ne porte pas de nom dans ce dessins animé. Il deviendra Rudolph dans Water Water Every Hare puis finalement Gossamer dans Duck Dodgers and the Return of the 24½th Century.

À 5:26 Bugs y va d'une imitation de Groucho Marx, un autre gag que les générations d'aujourd'hui ne peuvent évidemment pas saisir.

À 6:26 Bugs dit «Out there in the audience» mais sa bouche ne bouge pas.

Et finalement, Scaredy Cat réalisé en 1948 toujours par l'équipe de Chuck Jones et mettant en vedette Sylvester et Porky Pig.

Spécial Halloween: House of Haunts

2011-10-25T23:17:00.000-04:00

Il y a environ trente ans on a décidé comme ça d'aller en famille se taper une escapade en Ontario afin d'aller voir les fameuses chutes du Niagara et la tour du CN à Toronto. En chemin on s'est arrêté dans la petite ville de Gananoque. Vous connaissez Gananoque?

Gananoque c'est une petite ville qui borde la rive nord du St-Laurent, un peu à l'est de Kingston. quand on y est arrivé on s'est embarqué à bord d'un petit bateau de croisière qui nous emmenait faire un tour des Mille-îles avec, en bonus, un arrêt au chateau Boldt situé sur Heart Island.

Mais ce qui avait davantage attiré mon attention à Gananoque c'était davantage cet étrange bâtiment situé sur Water street et qui portait le nom assez évocateur de House of Haunts. Il s'agissait là d'une maison hantée du type que l'on visite à pied. Pas besoin de dire que je me suis pas fait prier.

On entrait dans cette maison hantée par la porte de devant que l'on voit sur la photo. Tout de suite en entrant il y avait la billetterie à gauche. Puis, on commençait la visite par la droite. Des lumières rouges nous indiquaient quand passer d'une pièce à l'autre. Je dois avouer que c'était quand même assez bien fichu comme maison hantée. Pour certaines mises en scène c'étaient des mannequins semi-animatroniques mais à certains autres endroits il y avait des gens costumés. Le décor était assez typique; victorien avec des touches de violet et de noir. Beaucoup de noir. L'éclairage était juste à point. Le parcours nous faisait monter au deuxième puis on descendait un escalier qui nous menait à la sortie, laquelle aboutissait dans la boutique que l'on voit à droite sur la photo.

Aujourd'hui House of Haunts n'existe plus et pour être parfaitement honnête je n'ai absolument aucune idée quand ils ont fermé cette attraction. Ça m'a un peu déçu par que j'y serais bien retourné moi dans cette maison hantée. Le bâtiment a été complètement rénové et reconverti en centre maritime (je crois). La boutique souvenir par contre est toujours là et semble toujours faire des bonnes affaires.

Spécial Halloween: les costumes Ben Cooper

2011-10-23T10:13:00.002-04:00

Le concept de masque/costume pour les enfants est toujours populaire durant l'Halloween et on peut généralement se les procurer à bon prix dans les grands magasins. Pour la plupart ce sont des ensembles fabriqués en Chine sous différents noms mais quand j'étais gamin un nom était synonyme de ces costumes: Ben Cooper.

Ben Cooper c'est un type qui travaillait avant dans la création et la confection de costumes de théatre. La crise économique a fait que le théatre était de moins en moins fréquenté et par conséquent ça signifiait moins de costumes à fabriquer donc, moins d'argent pour payer le pain et le beurre. Fort heureusement y'avait l'Halloween qui devenait de plus en plus populaire. Alors c'est comme ça qu'il a fondé sa compagnie en 1937.

L'idée était simple; fabriquer des masques en plastique et des costumes en vinyle au plus bas coût possible et ainsi les rendre accessibles à tous. Durant les années 40 et 50 une boîte contenant masque et costume se vendait en moyenne $1.25, soit quelque chose comme $12 ou $13 aujourd'hui. Évidemment fallait pas s'attendre à de la grande qualité et des masques élaborés. Ces masques étaient assez grossièrement peinturés à la vas-vite. La mention «ventilated» ne faisait pas référence à quelque chose de savant, ça ne voulait dire rien d'autre que le masque avait une ouverture à la place de la bouche permettant de respirer.

J'ai porté quelques uns de ces costumes dont un d'astronaute, en 72 ou 73 je crois. Le masque tenait avec une ficelle élastique et tenue avec deux agrafes. Ça cassait souvent si on tirait trop fort sur le masque. Aussi, le plastique avait tendance à fendre à plusieurs endroits. C'était bien fragile. Quand à la ventilation ça ne prenait pas de temps que l'intérieur du masque était couvert de sueur et pour certains il arrivait que les trous n'arrivaient pas exactement à la place des yeux.

Malheureusement Ben Cooper a fait faillite en 1992 et les ensembles de cette compagnie sont aujourd'hui des items de collection. Ceux qui sont encore en boîte et qui n'ont pratiquement jamais été utilisés sont les plus recherchés, certains valant plus d'une centaine de dollars, tout dépendant du modèle, de la condition et de la rareté.

Et pour finir, un costume identique à celui que j'ai porté:

Spécial Halloween: V-Vampires!!!

2011-10-18T22:34:00.000-04:00

Wally Wood est très certainement l'un de mes bédéistes favoris. J'ai toujours admiré la façon dont il pouvait habilement remplir chaque case de ses bandes dessinées avec autant de détails. Wood faisait aussi largement usage de trames de différents pourcentages pour obtenir différents effets d'ombres.

Il y a quelques années en fouillant mes archives numériques, je suis tombé sur des copies d'originaux de Wood qui avaient paru durant les premiers temps du magazine MAD. Je me souviens avoir vu cette bédé dans un numéro ultérieur quelque part au début des années 70 dans une réédition, toujours dans MAD. Dommage que je n'ai plus ce numéro. Quoiqu'il en soit, voilà cette petite bédé ma foi fort sympatique.

Spécial Halloween: la maison hantée du Parc Belmont

2011-10-15T23:12:00.001-04:00

Les maisons hantées, et je parle ici du type "attraction", sont des choses bien simples; ce sont des bâtiments commerciaux qu'on bourre de trucs d'épouvante avec des jeux de lumières et d'effets sonores. On fignole un circuit que les gens visitent et on s'arrange pour qu'ils fassentdans leurs culottes tout le long du trajet.

Comment? C'est très simple.

D'abord, faut comprendre que les bruits jouent un gros rôle. Quand les gens embarquent dans le charriot, souvent appelé «doombuggy», celui-ci se met en route et entre dans la maison hantée en défonçant les portes métalliques avec un gros «bang». Le ton est donné. Ensuite y'a les mises en scène. Des fois c'est un donjon, un laboratoire de scientifique fou, une salle de torture ou encore un cimtière. On peuple tout ça de catins rudimentaires, parfois animatroniques et coifées de masques en caoutchouc. Quand on passe la scène s'éclaire avec un jeu de lumières lugubres accompagné d'une séries d'effets sonores stridents. A d'autres moments il s'agit tout simplement d'un mannequin qui surgit du noir comme ça ou ensimulant la structure du parcours qui s'effondre (quoiqu'on peut avoir le même effet en se promenant sur les routes du Québec).

Y'a un autre type de maison hantée toutefois. C'est celui où l'on fait le parcours mais à pied. Là, c'est un petit peu différent mais souvent plus efficace, tout sépendant, bien entendu, de la qualité de conception. Ça va de soi. Y'a des soit disantes maisons hantées qui ne feraient même pas peur à un chiot alors que d'autres sont si efficaces que votre squelette sort de votre corps et se sauve en courant. Dans ce type de maisons hantées les mises en scène sont bien souvent plus élaborées parce que les gens, étant à pied, les regardent plus longtemps. Et bien souvent aussi les scènes sont animées non pas par des catins mécaniques mais bien par des employés déguisés. Ça fait son effet. Parfois pas. Tout dépendant de la qualité du jeu.

On peut pas dire qu'à Montréal on a été gâté avec les maisons hantées. Les plus vieux se souviennent probablement de celle du parc Belmont. Au tout début c'était une attraction dans laquelle on marchait et puis on a ensuite transformé ça en parcours que l'on faisait dans un «doombuggy». La promenade hantée était assez caractéristique; le véhicule dans lequel on prenait place fonçait dans les portes métalliques avec un «bang» retentissant et puis on était projeté dans le noir, le «doombuggy» empruntant des directions qu'on pouvait pas anticiper. Ici et là des squelettes et autres bibittes nous sautaient dans le visage et avec les sons ça faisait toujours son effet. Peut-être la chose la plus efficace, que le Moulin de la sorcière de La Ronde n'avait pas, était vers la fin où des bandelettes de je-ne-sais-quoi pendaient du plafond et venaient nous «caresser» le visage. Dans le noir personne ne savait pas ce que c'était alors ça criait.

Dommage que je n'aie pas de photos de cette maison hantée...

La photo du haut c'est le Parc Belmont, prise voilà très longtemps avec, encerclé en jaune, l'endroit approximatif (selon ma mémoire de p'tit proutte) de la maison hantée, mais je peux me tromper. En-bas on voit l'ancien site du parc Belmont, redéveloppé aujourd'hui en secteur résidentiel et l'espace vert en bordure de la Rivière des Prairies a été nommé parc Belmont.

Spécial Halloween: Frankenstein

2011-10-13T21:47:00.004-04:00

Frankenstein est certainement un de mes monstres favoris et ce, depuis que je suis p'tit bonhomme. Ah, Frankenstein. Juste le nom est suffisant pour que ça évoque immédiatement l'image du fameux monstre à la tête plate, à la peau verte et aux électrodes dans le cou. Frankenstein c'est cet espèce d'ogre, souvent à la peau verte avec des plaies sanguignlantes, les bras tendus vers l'avant avec un faciès de bulldog et qui avance comme un pataud avec ce désir insatiable d'arracher des têtes. Enfin, c'est comme ça qu'il est souvent représenté dans la culture populaire.

Mais vous savez ce qui est marrant là-dedans? C'est que cette version populaire qu'on voit partout tout spécialement dans ce temps de l'Halloween, est essentiellement dûe à:

Faites la connaissance de Mary Shelley, une charmante dame qui est née en 1797 en Angleterre. En 1816 elle épouse Percy Shelley et durant l'été le couple part en voyage dans le coin de Genève avec Lord Byron, le jeune médecin John William Polidori et Claire Clairmont. Une fois là-bas ils louent la Villa Diodati, charmant manoir pas très loin d'un lac.

L'été de 1816 dans ce coin-là s'avère finalement assez pourri. Il pleut presque tout le temps alors tout le monde doit rester à l'intérieur. Pas d'internet dans ce temps-là alors tout le monde reste en dedans et jase autour d'un feu de foyer. On jase de ceci, de celà. Puis la discussion en vient à tourner autour du galvanisme. Vous connaissez ce truc?

Attachez votre tuque.

Vous avez peut-être déjà fait une expérience étrange dans un cours de biologie au secondaire. Vous savez, faire passer un faible courant électrique dans des cuisses de grenouille? Cette expérience là.

Réanimation des muscles par simple saupoudrage de sel.

Le galvanisme venait du scientifique Luigi Galvani qui avait pas mal expérimenté sur la réanimation de muscles par courant électrique. On parle aussi des expériences un peu plus lugubres celles-là (si c'était possible) de Giovanni Aldini, neveu de Galvani, qui lui faisait à peu près la même chose mais sur des cadavres humains, dont celui du criminel George Forster. Il en a d'ailleurs fait une démonstration publique, appliquant du courant électrique à différents endroits du corps, lequel s'est mis à grouiller un peu comme les cuisses de grenouilles plus haut. Certains avaient pensé que Forster était revenu à la vie. Un type en voyant ce spectacle en est même mort de frayeur. Bien sûr le cadavre n'était pas revenu à la vie. Soyons sérieux quand même.

Mais on ne parle pas que de ça. On prend plaisir à se lire des histoires de fantômes. Lord Byron propose alors que chacun écrive une histoire surnaturelle afin de voir laquelle sera la plus épeurante.

Et c'est là que Mary Shelley, inspirée par le galvanisme, pond la structure de ce qui va devenir son roman Frankenstein: or, the Modern Prometheus et dont les éléments de base lui sont apparus dans un rêve qu'elle a fait. Dans son roman on peut lire l'histoire de Victor Frankenstein qui parvient à donner la vie à une créature qu'il a assemblé.

Une page du manuscrit de Frankenstein.

Le roman, malgré des critiques défavorables, a connu un très bon succès. On a vu une traduction française dès 1821 et Richard Brinsley Peake en a même fait une adaptation théatrale en 1823.

Mais vous savez qui en a fait le premier film?

Les studios Edison, en 1910. C'est un film muet, évidemment et on met davantage l'emphase sur l'aspect mythique et psychologique du récit de Shelley. C'est tout de même amusant de voir le monstre, interprèté par Charles Stanton Ogle, maquillé à la façon kabuki et coiffé d'une grosse perruque ébouriffée. Une représentation à des années-lumières de l'image classique que j'ai décrit un peu plus haut.

Ben justement, elle vient d'où cette foutue représentation classique?

J'y arrive.

En 1931 les studios Universal ont eu cette idée de tourner un film sur Frankenstein. Aussi, on avait choisi d'adapter le scénario du film sur une pièce de Peggy Webling qui l'avait elle-même basée sur le roman de Mary shelley. Alors forcément il y avait des différences tout plein.

D'abord y'a le monstre lui-même. Dans le roman Shelley ne décrit pas de façon exhaustive comment la créature est créée alors que dans le film c'est beaucoup plus exhaustif. Et puis dans le film Henry Frankenstein (Victor dans le roman) assemble le monstre à partir de morceaux de cadavres fraîchement exhumés.

Qui plus est, le monstre, une fois «vivant» ne sait absolument pas parler alors que dans le roman il est très volubile puisqu'il a appris en lisant Le paradis perdu de Milton et autres classiques du genre. Faut dire que dans le film, Frankenstein installe le cerveau d'un criminel dans la tête du monstre au lieu d'un cerveau «normal», quelque chose qui n'apparaît pas mais pas pantoute dans le roman... Ce cerveau défectueux, dans le film, est d'ailleurs ce qui fait que le monstre devient un tantinet agressif alors que dans le roman le monstre bardasse parce qu'il est négligé, subit des mauvais traitements et aussi parce qu'il est laid comme un péteux de babouin.

«Vous avez dit 30 minutes ou c'est gratuit. Vous êtes en retaaaard!»

Dans le film le monstre a la peau blanchâtre, une tête plate, des électrodes dans le cou et se trouve à être de grandeur à peu près normale. Dans le roman le monstre a une peau jaunâtre presque translucide, a la tête ronde avec plein de cheveux, pas d'électrodes et mesure quelque chose comme huit pieds. Ah oui, et y'a pas d'assistant bossu du nom d'Igor dans le roman. Victor Frankenstein travaille tout seul en reclus.

«Mon dos me fait mourir. Ça devait être le dos d'un déménageur...»

«Docteur, vous êtes un gouffre à sottises macabres de très mauvais goût!»

Mary Shelley termine son roman alors que Victor Frankenstein meurt pendant qu'il est en route pour l'arctique. Le monstre le trouve mort et décide alors d'aller se suicider au Pôle Nord mais rien n'indique qu'il le fait réellement. Dans le film le monstre s'en va dans un moulin pendant les villageois l'assiègent avec des fourches et des torches. Ils mettent le feu au moulin et tout le monde est certain que le monstre s'est fait rôtir d'aplomb mais il a survécu.

Ce qui est tout de même intéressant avec le film c'est qu'on avait d'abord considéré Bela Lugosi pour le rôle du monstre mais on s'est ravisé à la suite de plusieurs essais de maquillage absolument désastreux. Lugosi a aussi finalement dit que le rôle du monstre était trop simpliste parqu'il ne parlait pas.

C'est finalement l'acteur anglais William Henry Pratt qui a hérité du fameux rôle. Le réalisateur James Whale avait apperçu Pratt dans les bureaux de Universal et lui tendit une note lui offrant le rôle. Pratt raconta par la suite en riant, qu'il fut offusqué par cette offre de jouer un monstre ce jour-là puisqu'il portait alors son plus bel habit et était passablement convaincu qu'il était particulièrement élégant.

Le gentleman parfait pour jouer un monstre hideux: William Henry Pratt.

Je vous vois équarquiller les yeux. Pluche, t'es dans les patates mon vieux. Comment peux-tu écrire une taponnerie du genre??? Voyons, tout le monde sait que c'est Boris Karloff qui a personnifié le monstre!

C'est que voyez-vous, Boris Karloff était le nom de scène que s'était donné William Henry Pratt. Selon certaines sources il avait changé son nom parce qu'il ne voulait pas embarasser sa famille en devenant acteur.

Karloff dans la chaise. Pierce est à sa droite.

Le maquillage est presque terminé après quatre heures.

Karloff se fait remaquiller pour «Bride of Frankenstein», la suite du premier film.

Avouez que pour 1931...

«Son of Frankestein», la dernière fois où Karloff a interprèté le rôle du monstre.

Karloff, tel qu'il apparaissait dans «Son of Frankenstein» une fois le maquillage terminé.

L'apparence du monstre est, selon la croyance populaire, entièrement dû à Jack Pierce, maquilleur en chef aux studios Universal dans le temps. Ailleurs on prétend que Pierce s'est basé sur des croquis de James Whale, le réalisateur du film. Quoiqu'il en soit, le look est rapidement devenu le look classique sur lequel sont basés à peu près toutes les représentations du monstre que l'on voit aujourd'hui. Pour 1931 toutefois on peut certainement s'accorder pour dire que la maquillage que Pierce a fait pour Karloff est absolument phénoménal. Pierce est aussi celui qui a conçu les maquillage de la momie Imhotep (également joué par Karloff) ainsi que le loup-garou (interprèté par Lon Chaney Jr).

«Cher ami, que diriez-vous d'une discussion sur la sémantique des logiques modales normales simples?"

Vous avez remarqué que dans tout l'article je n'ai jamais référé au monstre comme étant Frankenstein. Tout simplement parce que c'est une méconception populaire. Frankenstein est le nom du créateur, Victor (Henry dans le film). Nulle part dans le livre ou dans le film ne fait-on référence au monstre comme étant Frankenstein mais la culture populaire lui a étiquetté le nom.

A mon sens, la meilleure représentation du Monstre est celle de John Buscema, dérivée d'un concept de Mike Ploog pour la version comic de Frankenstein chez Marvel dans les années 70. Dans cette version le Monstre mesure réellement huit pieds, se trouve à être très intelligent et très articulé. La physionomie n'a aussi rien à voir avec la version de Universal. Ici, le Monstre a la tête ronde et de longs cheveux. En somme, c'est une représentation très fidèle de la conception de Mary Shelley.

Le saviez-vous?

Les chaussures plate-forme que Karloff portait pesaient 13 livres (5 kg) chacunes.
Le look de Frankenstein, conçu par Jack Pierce est protégé par un copyright détenu par Universal et valide jusqu'en 2026.
On raconte qu'un jour, durant le tournage, Karloff sortit du studio pour prendre un peu d'air et se rafraîchir lorsqu'il tomba nez-à-nez avec une secrétaire de Universal qui, en le voyant, perdit carrément connaissance. On a alors tapé un mémo demandant à l'acteur de manger seul et de pas se promener maquillé à moins d'avoir la tête recouverte. La nouvelle avait vraisemblablement été «échappée» dans les journeaux. Evidemment ça semble davantage être un petit coup de publicité. Faut dire qu'il y avait beaucoup de spéculation sur ce que le monstre aurait l'air et plein d'histoires ridicules quand à l'excessivité du maquillage circulaient.

Un Karloff cagoulé est amené par Jack Pierce.

Marylin Harris qui jouait la petite fille que le monstre noie accidentellement, n'a jamais eu peur de Karloff pendant qu'il était en costume. Au contraire, quand elle le vit arriver pour tourner la scène elle s'en alla en courant vers lui et lui prit la main tout en lui demandant s'il voulait voir le lieu du tournage. Tel un gentleman il lui répondit que oui avec toute la classe qu'on lui connaissait. Et elle l'y mena.
Pour donner une apparence plus convaincante au monstre, Karloff retira un pont dentaire qu'il avait à droite. L'absence du pont créa ce trou si caractéristique dans la joue (voir la photo précédente).
Durant la période classique de Universal, le monstre fut joué par quatre acteurs différents. Dans Frankenstein et Bride of Frankenstein c'est Boris Karloff (à mon sens le meilleur). Dans Ghost of Frankenstein (1942) c'est Lon Chaney Jr. qui emprunte les traits de la créature. En 1943, dans Frankenstein Meets the Wolfman, le monstre est interprèté par... Bela Lugosi, fameux pour son Dracula et Lon Chaney Jr. se voit confier le rôle du loup-garou. Dans House of Frankenstein (1944) c'est Glenn Strange qui endosse le costume alors que Karloff tient le rôle du docteur Niemann. Strange reprend le rôle pour House of Frankenstein (1945).

Karloff en professeur Niemann et Strange dans le costume du monstre.

Un p'tit tour de magie numérique pour s'amuser où Karloff tient les deux rôles.

Il y eut une suite en 1935, Bride of Frankenstein qui reprend d'une certaine façon une partie du roman original de Shelley où le monstre exige de Frankenstein qu'il lui fabrique une compagne. Dans le livre Frankenstein s'exécute mais décide tue sa deuxième création et le monstre pète sa coche. Dans ce film on a choisi la magnifique Elsa Lanchester pour jouer non seulement le rôle de la «fiancée» mais aussi celui de Mary Shelley qui relate le séjour à Genève.

Coquette, Elsa retouche elle-même son maquillage avant une scène.

Le «fiancé».

«Vous marinez chez vos harengs?»

Très rare photo d'Elsa Lanchester prenant un thé entre deux scènes.

En terminant, voici un petit clip en couleurs ma foi fort amusant qui fut tourné pendant Son of Frankenstein durant lequel Karloff fait quelque peu le bouffon et s'amuse à faire semblant d'étouffer Jack Pierce, le maquilleur légendaire.

Spécial Halloween: Les illustrations d'Aurora

2011-10-09T19:55:00.002-04:00

Je vous en parlé avant. Peut-être ad nauseam, même. N'en reste pas moins que dans le temps où j'étais gosse je trippais sans bon sens sur les modèles à coller de monstres Aurora. On pouvait en retrouver un peu partout en ville mais c'était surtout à l'Oiseau Bleu (la division hobby) au coin de Desjardins et Ste-Catherine qu'on pouvait retrouver à peu près toute la série.

Aurora est une compagnie qui avait commençé à fabriquer des modèles à coller au début des années 50, des avions surtout. Le but, parfaitement avoué, était d'aller donner des pichenottes dans les couilles de Revell et Monogram. Les modèles d'Aurora étaient un peu plus petits, un peu moins détaillés mais surtout plus abordables.

Puis un jour Aurora a commençé à faire autres choses que des avions sans toutefois arrêter de faire des avions, puisque ça se vendait bien. Ils ont donc sorti une série de modèles représentant des animaux, des bâtiments et des personnages comme des chevaliers en armure.

Mais bon, on se contera pas de pipes, la série de modèle qui a connu le plus de succès est celles des monstres. En 1961 Aurora a obtenu une license de commercialisation des studios Universal afin de fabriquer des modèles à l'effigie des monstres classiques. On a commençé par Frankenstein qui a été suivi par Dracula, Wolfman, Phantom of the Opera, Mummy, Creature from Black Lagoon, Huntchback of Notre-Dame, Bride of Frankenstein, Forgotten Prisoner et puis en 1964 par King kong et Godzilla.

Fabriquer des modèles c'est bien beau mais encore faut-il mettre ça attrayant tout plein pour que ça se vende bien. Aurora a donc décidé de retenir les services de l'illustrateur James Bama afin qu'il produise les illustrations devant aller sur les boîtes. Bama était un illustrateur talentueux et à ce moment-là il avait fignolé plus de 500 couvertures de livres de poche Bantam.

Les boîtes d'Aurora étaient rectangulaires, mesurant 13 pouces par 5 alors Bama s'est exécuté. Et pis avec joie en plus parce qu'il trippait pas mal sur les monstre. Les oeuvres de Bama, 22 au total, étaient souvent plus larges que le format imprimé, souvent même jusqu'à deux fois plus grand. Jusque là, tout va. Même que ça va terriblement bien puisque les modèles se vendent comme de p'tits pains chauds.

La boîte de Dracula originale.

L'inspiration de Bama.

En 1969 Aurora décide comme ça de relançer sur le marché six de ses monstres mais avec une nouvelle innovation: l'ajout de pièces phosphorescentes. Des trucs qui brillent dans le noir c'était pas forcément nouveau mais d'inclure ça dans des modèles à coller l'était et ça permettait de donner aux personnages une allure fantômatique. Avec ça, s'étaient dit les dirigeants d'Aurora, on va en vendre en pas pour rire!

On avait aussi décidé de rééditer les modèles dans des nouvelles boîtes. Carrées, celles-là et mesurant huit pouces par huit pouces. Évidemment on pouvait pas réutiliser les illustrations de Bama puisque celles-ci étaient rectangulaires. Et puis en plus faut souligner la nouvelle fonction "Glow in the Dark". La grosse étoile verte avec cette mention c'est pas assez. Faut que les personnages aient l'air de briller dans le noir.

On aurait pu demander à Bama de refaire les illustrations selon le nouveau format mais on s'est plutôt contenté de prendre les illustrations originales et de payer un artiste quelquonque pour qu'il barbouille tout simplement par-dessus. Et puis à ce moment-là on commençait à aimer les décors confus. Pas exactement psychédélique mais bon.

L'illustration de Dracula par exemple, pour laquelle Bama s'était servi d'une photo de Bela Lugosi comme référence, en a mangé toute une. On a rebarbouillé la face et les mains du personnage pour souligner la phosphorescence et on a carrément bousillé le décor.

On peut voir l'illustration originale de Bama en bas.

La version finale.

On a fait la même chose pour Phantom of the Opera. Exit le décor réaliste et le pauvre type terrifié derrière la porte. Bienvenue au fond vert-algue.

La boîte originale du Phantom.

L'image source dont s'est servi Bama.

La version repeinturlurée directement par-dessus l'illustration de Bama.

La version finale où l'image a été inversée afin de remplir la grille du cachot avec le logo "glows in the dark".

En ce qui concerne Frankenstein il est assez évident que l'on s'est servi de l'original. Toutefois, à la différence des autres monstres, Frankenstein était déjà assez verdâtre dans sa version originale. Les modification n'ont donc pas été aussi exhaustives.

La boîte originale de Frankenstein.

La version finale.

Probablement l'image source qu'a utilisé Bama. Je crois reconnaître Lon Chaney Jr.

Pour Wolfman c'est un petit peu différent. D'abord parce que l'illustration sur la boîte rectangulaire correspondait pas vraiment avec ce qu'il y avait dans la boîte, contrairement aux autres modèles. alors on a demandé à un certain Harry Schaare de produire une nouvelle illustration non seulement plus conforme au modèle mais aussi qui incorporerait les fameux morceaux phosphorescents. et des décors délavés aux couleurs impossibles.

Le Wolfman original.

La version finale.

Ce qui fut fait. Même chose pour Dr. Jekkyl as Mr. Hyde. On n'a pas fait disparaître le décor dans un cafouillis psychédélique mais on a dû élargir l'illustration pour accomoder le nouveau format et l'artiste s'est carré fourré dans sa perspective; la table est en plongée alors que la bibliothèque dans le fond n'est pas au même angle. Un peu moins de violet n'aurait probablement pas fait de tort non plus...

La boîte originale.

La version modifiée.

Godzilla aussi en a mangé toute une sur le museau. L'original nous montre Godzilla semant la terreur dans une ville. Les nombreux éclairs en arrière ajoutent à l'atmoshphère. Dans la nouvelle version on a enlevé les éclairs et rebarbouillé Godzilla pour illustrer on-ne-pourrait-pas-plus-clair les parties du modèles brillant dans le noir. Toutefois on a bien représenté la ville complètement saccagée.

La version originale.

La deuxième version.

Forgotten Prisoner en est un autre qui s'est fait faire une chirurgie esthétique.

La boîte originale.

Comme on peut facilement le voir, la nouvelle version a carrément été faite sur l'original, comme les autres qu'on a vu avant.

La version finale.

Les modèles The Creature et The Mummy ont souvent été considérés comme des illustrations refaites par-dessus les originaux mais il semble que ce n'est pas le cas puisqu'elles ont entièrement été refaites à nouveau par Schaare.

Comme on peut voir les illustrations originales qui ont servi pour les boîtes rectangulaires furent originalement une seule illustration qu'on a ensuite coupée en deux.

La deuxième version.

Telle que la boîte apparaissait.

Encore ce fond psychédélique.

La version finale sur la boîte.

The Witch a aussi été entièrement refait et cette fois les différences sont assez notables. La nouvelle version, comparativement aux autres, est à mon sens meilleure que l'originale, surtout avec l'expression de la sorcière qui semble plus inquiètante que dans la première.

L'illustration originale de Bama.

L'original utilisé pour la deuxième version.

Sur la boîte.

Le fameux Huntchback of Notre-Dame a une histoire intéresssante. Le film du même nom mettait en vedette Anthony Quinn dans le rôle du Bossu et puis quand Aurora a sorti le modèle de ce personnage Bama a conçu l'illustration en se basant sur Quinn. Qui n'a pas aimé alors on a légèrement modifié le personnage. Par contre, pour l'édition "glow in the dark" on a rebarbouillé par-dessus.

Version originale. On peut pas nier la ressemblance avec Quinn.

Deuxième version, circa 1965.

Version "glow in the dark".

Pendant un bon bout on avait cru que l'original King Kong avait aussi été repeint mais ce n'est pas le cas. Une deuxième illustration a été faite.

Non mais visez un peu les pectoraux!

Deuxième boîte.

Malgré le fait que je n'aime pas voir des illustrations originales se faire massacrer, faut que je confesse un certain attachement aux nouvelles versions parce que ce sont celles avec lesquelles j'ai grandi. Quand je recevais un de ces modèles je pouvais passer de longs moments, assis dans ma chambre, à regarder ces illustrations.

Spécial Halloween: Les bonbons

2011-10-05T23:02:00.002-04:00

Quand je revenais de ma tournée d'Halloween je retrouvais toujours les bons vieux classiques; les Rockets, les soucoupes volantes avec les petites billes dedans, la réglisse, la gomme Bazooka, parfois des Cracker Jack. Mais ce qui était aussi marrant c'étaient ces bonbons faits particulièrement pour l'Halloween.

Topps vendait aussi une variante qui était une poubelle en plastique avec des ordures en bonbon dedans. Ça s'appelait «Garbage Can-Dy» si je me souviens bien. Quoiqu'il en soit ces petits bonbons faisaient assez penser aux vitamines Flintstones. Ça goûtait même presque pareil...

Des bonbons tirés de la série de dessins animés «Groovie Goolies» qui a passé à la télé entre 70 et 72. C'était le gende de série où on retrouvait des rires en cannes. C'était bien à la mode dans le temps.

Y'avait aussi ces petits sacs à surprises qui contenaient 2 monstres, un super-jouet et des bonbons. Évidemment fallait pas s'attendre à des trucs extraordinaires mais c'est qui faisait le charme de ces sacs. Tout comme les illustrations mal torchées d'ailleurs.

Spécial Halloween: Frankenberry et Count Chocula

2011-10-02T23:36:00.001-04:00

J'ai mangé toutes sortes de céréales quand j'étais gamin; Alpha-Bits, Honey Comb, Frosted Flakes, Sugar Smacks, Froot Loops, Sugar Crisp, Cocoa Puffs, Captain Crunch... Sauf que pas une de celles-là ne peut se mesurer à la meilleure d'entre toutes et j'ai nommé:

Y'avait pas de plus grand plaisir, à n'importe quelle heure du jour ou de la nuit que de me verser un gigantesque bol de Count Chocula en écoutant Bugs Bunny à la télé ou en lisant Pif Gadget. C'était mon comfort food à moi. Je ne détestais pas Frankenberry non plus mais Count Chocula était loin devant. Il y a eu aussi Boo Berry, avec un fantôme. Aujourd'hui Count Chocula ne fait partie que de mes souvenirs puisque la céréale, même si elle continue d'être fabriquée, n'est plus disponible au Québec depuis des années.

Spécial Halloween

2011-10-01T13:54:00.000-04:00

Tout comme l'an passé, et comme l'indique le changement de décor tout à fait subtil, Rétropluche consacre le mois d'octobre aux frayeurs et frissons de l'Halloween. Ça en devient presque une tradition par ici ma foi. Enfin, au cours du mois se suivront articles et photos sur le thème. Et si vous avez des souvenirs intéressants de l'Halloween, n'hésitez pas à venir les partager!

Le secret de Betty et Véronica

2011-09-28T21:25:00.002-04:00

Je n'ai jamais été un grand amateur d'Archie et sa bande. Pour moi c'était Spider-Man, Hulk, Iron Man et tous ceux-là. De temps en temps ma mère m'achetait un Archie, sans qu'elle ne sache que je n'aimais pas. Peut-être était à cause que c'était publié par Héritage, tout comme mes super-héros bien aimés? aucune idée. Enfin. Tout ça pour dire que les Archie finissaient invariablement dans un fond de tiroir à ramasser la poussière. Je trouvais toujours les histoires trop simplistes et naïves. Ça puait le sexe tout plein mais jamais il ne se passait quoi que ce soit, même en sous-entendu.

Vous voyez les bikinis? Et les histoires demeuraient parfaitement platoniques même avec cet étalage de chair. Dan DeCarlo, avant de crayonner Archie, avait été un artiste pinup, donc un type qui ne dessinait que des filles à peu près nues. C'était populaire et ça se vendait plutôt bien. C'est donc pour ça que les filles dans Archie ont toujours cette physionomie si particulière, et assez similaire où toute les filles semblaient avoir le même type de corps; taille fine et gros nichons. Sauf mademoiselle Grundy, bien entendu.

Et puis à certain moment donné y'en a tout un tas qui se sont tannés de voir qu'il ne se passait jamais rien et qui ont décidé comme ça de dessiner eux-mêmes des bédés olé-olé mettant en vedette Betty et Véronica. C'était parfois même carrément porno. Les dessins étaient généralement mal torchés mais il arrivait que c'était assez bien fignolé. Évidemment Dan DeCarlo ne s'est jamais aventuré sur ce terrain parce qu'après tout Archie était une bédé pour les jeunes.

Vraiment?

Ce dessin a été fignolé avec amour par Dan DeCarlo lui-même. Sa signature apparaît près du pied gauche de Betty: DSD, pour Dan Salvator DeCarlo. En bas complètement, écrit à la mine, il ajoute: Mike, please no copies to anyone . Hé hé. C'est un gag à l'interne, évidemment, nullement destiné à quelquonque forme de publication, même pas en photocopie comme le demande DeCarlo, mais ça montre quand même le type était habité par la curiosité de voir ses personnages s'envoyer en l'air.

Le dessin nous montre que non seulement Betty est une vraie blonde (les rideaux qui matchent le tapis)mais aussi que DeCarlo a fort probablement crayonné ça dans les années 70. Pour des raisons évidentes.

Squeez-a-snack, circa 1975

2011-09-23T22:59:00.001-04:00

Vous connaissez le Squeez-a-snack? C'était une préparation de fromage pas mal semblable au Cheez-Wiz mais dans un tube de plastique. On dévissait le petit couvercle et ensuite on éffourait le tube pour le faire sortir. L'embout de plastique était fabriqué pour qu'on puisse faire des formes avec le fromage, un peu comme avec le crèmage à gâteau.

Le problème venait quand on avait fait sortir tout le fromage dans le milieu et aller chercher celui aux extrémités. La meilleure solution dans ce cas c'était tout simplement de prendre une paire de ciseaux et de couper puis d'aller chercher le fromage à la cuillère.

Je me souviens qu'on en achetait en faisant la commande. Il y en avait même à saveur de bacon et qui n'était pas mauvais du tout. C'était assez populaire dans les années 70 mais pour une raison que j'ignore ce truc a complètment disparu de la circulation.

Depuis 32 ans...

2011-09-19T17:17:00.000-04:00

Vous vous souvenez de cet article que j'ai écrit y'a pas si longtemps sur les modèles à coller et comment mon ami Daniel m'avait grandement inspiré à les assembler mieux qu'un chimpanzé paqueté? Bon, alors Daniel avait tellement été une inspiration pour moi que je m'étais pris d'une véritable passion pour bien faire mes modèles. Y'avait deux ennuis à celà. De un les modèles coûtaient quand même assez cher, même à l'époque. Et puis, mes parents n'étaient pas entièrement convaincus de ma "conversion".

Durant l'été de 1979 je décide d'aller comme ça au Bric à Brac, magasin de jouets qui existe encore au coin d'Ontario et Aylwin. J'avais ramassé suffisament d'argent de poche pour me payer un modèle. J'hésitais entre un destroyer de la marine américaine et un Spitfire de la seconde guerre. Je suis finalement ressorti avec une Corvette de type Pace Car noire et argent.

Je me souviens des bons enseignements de Daniel. De prendre son temps, surtout et de ne pas se presser. Daniel a tellement été un fichu de bon professeur que même trente ans plus tard je n'ai toujours pas ouvert cette foutue boîte. Elles est encore là, bien enveloppée dans son cellophane original.

Un gros merci à Daniel pour m'avoir inculqué cette patience, tu me le dis si j'exagère dans mon
temps d'étude hein?

De bien belles attrapes...

2011-09-14T21:22:00.000-04:00

Cliquer pour agrandir

Les comics américains de Marvel et de DC étaient assez farçis de publicités de toutes sortes. Bien souvent ce n'étaient que des attrape-nigaud parce que les trucs annonçés ne correspondaient pas pantoute à l'annonce ou bien ils ne fonctionnaient pas du tout. Parfois les deux.

Marvel et DC étaient publiés ici via les Éditions Héritage, qui s'occupait aussi de la traduction (de façon un peu boboche mais bon). On notait deux choses dans les versions françaises; d'abord tout l'intérieur des comics étaient en noir et blanc au lieu d'être en couleurs et puis aussi l'absence de ces pubs envahissantes. A quelques petites exceptions près, comme l'exemple d'en haut.

La caméra qui lançe de l'eau n'était pas exactement une attrape mais un de mes amis en avait une et pour tout dire ça ne pissait pas bien loin. Fallait se mettre pratiquement à trois pouces du visage de la personne pour que ça marche. Rendu à c'te distance ça devenait assez évident que la caméra n'était pas vraie.

L'autre patente, les lunettes à rayons x. Voyez à travers les os, la peau et les vêtements. Me semble que si tu vois à travers tout ça il doit plus rester grand chose à voir, non? Et puis c'était difficile de saisir comment tout un appareillage à rayon x comme dans les salles de radiologie pouvait tenir dans des lunettes à $1.50... D'ailleurs ces lunettes n'étaient que du plastique bon marché avec du carton à motifs concentriques et un petit trou dans chacun pour voir. Ta-daaaa!

C'était y'a 45 ans

2011-09-11T01:45:00.002-04:00

La télévision dans les années 60 c'était pas comme aujourd'hui. Au lieu de copier des concepts usés comme les pneus du Buick à mononcle Gérard on inventait, on innovait. Mais surtout, on imaginait. Plein de trucs. On avait la sorcière qui était bien aimée, la lugubre famille Adams, la famille Munsters aussi. On voyageait au fond des mers, on se balladait au pays des géants, on faisait sortir de jolis génies de bouteilles et Batman et Robin veillaient au grain. Tout comme les Sentinelles de l'air. Au pire on aurait pu être de joyeux naufragés, voyager au coeur du temps ou encore être perdus dans l'espace...

Et l'espace, justement, c'est là-dedans que se déroulait une autre de ces étranges émissions qui a débuté très exactement il y a 45 ans. En novembre 1966 voici ce que les gens ont vu arriver sur leurs écrans:

On doit tout ça à un certain Gene Roddenberry, un type qui avait déjà un bon bagage d'expérience en écriture de scénarios et qui qui aimait bien la science-fiction. Roddenberry avait fignolé son projet et puis s'en est allé cogner à la porte du réseau de télévision CBS qui eux, ont préféré «Lost in Space» d'Irwin Allen.

Bon. D'accord, qu'il s'est dit. Ensuite c'est chez Desilu qu'il est allé. Desilu est un studio qui a été créé par Desi Arnaz et Lucille Ball (d'où le nom). Desilu l'a accepté et le patron de la compagnie a réussi à vendre le projet de Roddenberry au réseau NBC, concurent de CBS. Là, il faut que je mentionne qu'on est en 1964. A ce moment-là le personnage principal est le capitaine Robert April et son vaisseau c'est le USS Yorktown. Pas longtemps après Roddenberry taponne un peu le personnage et le transforme en capitaine Christopher Pike. Roddenberry produit alors un pilote afin de le présenter à NBC.

C'est quoi un pilote?

Disons qu'avant qu'une émission de télé se retrouve diffusée par un réseau, les dirigeants dudit réseau veulent voir de quoi l'émission en question à l'air. Roddenberry avait fignolé son pilote, intitulé «The Cage».

Trop cérébral ton truc Gene, qu'on dit les gens de NBC.

Mais c'est quoi ça veut dire au juste, trop cérébral?

Ça parle beaucoup et ça fait réfléchir. Faut de l'action. Et puis, rajouta NBC, y'a des personnages qu'il va falloir domper. Celui-là, celui-ci pis l'autre là-bas. Spock est intéressant et on veut le garder mais on ne trippe pas trop sur les oreilles. Majel Barret aussi on l'aime bien mais c'est une femme, alors pas question de lui donner une quelquonque forme d'autorité.

Les gens de NBC étaient intéressés mais ils ont préféré voir un deuxième pilote. On a donc repondu un nouveau pilote écrit par samuel Peeples, «Where no Man Has Gone Before» en 1965. C'est dans ce pilote qu'on a vu arriver le capitaine Kirk, l'ingénieur Scotty et Sulu. Cette fois NBC a accepté.

On a diffusé la première émission le 8 septembre; «The Man Trap». Je sais, vous vous demandez comment ça se fait qu'on ait pas présenté «Where no Man Has Gone Before». Ils l'ont fait mais la troisième semaine seulement.

Ce qui est quand même étonnant c'est que les critiques ont été assez tièdes. Certains disaient que c'était une bonne émission alors que d'autres disaient que c'était une fricassée qui ne se regardait pas bien. Les plus pessimistes disaient que l'émission ne marcherait pas.

A un certain moment on a décidé de placer Star trek dans une différente case horaire, soit le vendredi de 20:30 à 21:30, à un moment qui faisait que l'audience-cible, soit les jeunes, ne pouvaient que difficilement la regarder. Les cotes d'écoutes n'allaient pas vraiment bien (duh!) et personne n'était certain qu'on verrait Star Trek pour une troisième saison.

Il y en a eu une, troisième saison, mais vous savez quoi? NBC a décidé de changer la case horaire de Star Trek pour la pire de la semaine, soit le vendredi à 22:00. Pire, NBC avait coupé pas mal dans le gras du budget de l'émission, ce qui a entraîné une certaine réduction de la qualité du produit. Selon Nichelle Nichols (Uhura) c'était exactement comme NBC l'avait voulu. Sans compter que NBC ne diffusait même pas Star Trek sur la totalité de son réseau... Roddenberry a argumenté avec NBC jusqu'a ce qu'il soit vert dans le visage mais rien n'y a fait. Qu'on aurait voulu tuer Star Trek qu'on aurait pas pu s'y prendre d'une meilleure façon. Et c'est comme ça qu'en 1969 NBC a pris Star Trek et l'a plaçé dans un gros malaxeur pour ensuite appuyer sur «frappé».

Star Trek a connu son succès quand l'émission s'est en allée dans ce qu'on appelle syndication. Essentiellement ça veut dire que les droits de diffusion sont acquis, permettant à celui qui achète les droits de diffuser l'émission quand ça lui tente. C'est ce qu'a fait Kaiser Broadcasting avec Star Trek. Et le succès ne s'est pas démenti, surtout avec une case horaire à 18:00.

Star Trek, quoiqu'on en dise, attaquait plusieurs vieux concepts. Uhura (qui veut dire «liberté» en Swahili) était une noire qui tenait un poste relativement important puisque la plupart des communications passaient par elle. Ce fut la première Noire à obtenir un rôle important dans une série télé. Le premier baiser télévisé entre deux personnes de d'origines ethniques différentes a eu lieu dans Star trek quand Kirk a embrassé Uhura.

Parmis les autres trucs on comptait un officier russe, Pavel Chekov, et ça à une époque où règnait encore la guerre froide. Dans Star Trek on disait que l'humanité avait réussi à surmonter tous ses problèmes et que c'était l'harmonie sur Terre.

Dans Star trek on a aussi prédit le futur, en quelque sorte. Les téléphones cellulaires que nous utilisons tous aujourd'hui n'ont-ils pas une étrange ressemblance avec les communicateurs de la série. On y utilisait aussi une sorte de carte-mémoire que l'on insérait dans différents appareils et qui servaient à y conserver des données et des enregistrements audio-vidéo qui n'est pas sans rappeler les cartes-mémoire Flash qu'on retrouve partout.

Pour l'époque, pour la rapidité à laquelle la série devait être produite ainsi que de par les contraintes budgétaires, faut avouer que les effets spéciaux avaient de quoi impressionner. Les costumes de la série ont tous été conçus par Bill Theiss; les uniformes des personnages principaux jusqu'aux extra-terrestres de tous genres, incluant celles de sexe féminin et dont les robes défiaient souvent les lois de la gravité.

Le fameux vaisseau USS Enterprise fut conçu par Matt Jefferies et principalement fabriqué en bois. Le côté droit était plus détaillé car on ne filmait que ce côté-là. L'autre était celui où entraient et sortaient les fils électriques servant aux lumières.

Vue du studio où l'Enterprise était filmé. On note l'écran bleu à l'arrière afin de faciliter l'intégration des effets spéciaux.

Dans toutes les séquences où on voit l'Enterprise se déplacer la maquette est généralement immobile. C'est la caméra qui se déplace pour donner l'illusion du mouvement.

La fameuse chambre de téléportation. On voit ici Spock de dos, puis McCoy et Kirk, sur la plate-forme.

Certains des costumes originaux se sont vendus à des pris incroyables lors d'encans.

Un éclairage on ne peut plus «sixties».

Les Klingons ne ressemblaient en rien à ceux qu'on a vu par la suite, soit dans les films ou autres séries.

Lors de la réédition de la série en DVD et Blu-Ray, on en a profité pour reniper les effets spéciaux, avec la technologie numérique surtout. Cette décision n'a pas fait l'unanimité chez les amateurs.

C'est à se demander pourquoi personne n'a songé à installer des ceintures de sécurité dans l'Enterprise...

Le pont de l'Enterprise, complètement désert. Plusieurs éléments dont le poste de pilotage ainsi que la chaise du capitaine ont été vendus aux enchères.

Le pont de l'Enterprise a aussi été conçu par Matt Jefferies et fut aidé par son frère John. Matt a utilisé son expérience dans l'aviation pour créer un pont fonctionnel et crédible.

Des costumes, signées Bill Theiss, défiant plusieurs lois.Ici il s'agit de la moralité car on apperçoit un nombril. Dans la série «I Dream of Jeannie» tournée à la même époque, Barbara Eden n'avait pas le droit de montrer son le sien.

Outre les lois de la moralité il faut mentionner une autre loi qui était sérieusement mise au défi: celle de la gravité. Malgré leurs apparences fragiles les costumes de Bill Theiss n'ont jamais connu de «malfonctions» gênantes.

L'ingénieur Montgomery Scott a défié (avec succès) certaines lois de Newton.

James Doohan, l'interprète de Scotty durant les dernières années de sa vie. Doohan a succombé à la pneumonie et se battait aussi avec l'Alzeheimer ainsi que le diabète.

Hikaru Sulu, celui qui pilotait littéralement l'Enterprise. Durant le deuxième pilote «Where no Man Has Gone Before», Sulu était un médecin.

George Takei a reçu de nombreux prix pour son travail sur les droits de l'Homme ainsi que pour le Japanese American National Museum. Il milite aussi activement pour les droits des gais.

Uhura était loin d'être une potiche puisqu'elle était l'officier en chef responsable de toutes les communications de l'Enterprise.

Nichelle Nichols mène encore à 78 ans une carrière bien remplie. Lorsque la série télé se termina elle se porta volontaire à la NASA afin d'inciter les femmes ainsi que les gens issus des minorité à joindre la NASA.

Le fameux signe de la main en «V» de Spock est dérivé d'une gestuelle juive que Leonard Nimoy avait apperçu lorsqu'il était enfant. Le réseau NBC quant à lui n'aimait pas les oreilles pointues du personnage, citant leur aspect «satanique».

Parralèllement à sa carrière d'acteur, Nimoy est aussi connu pour ses talents de photographe.

Dans la série, James Tiberius Kirk fut le plus jeune officier à recevoir le commandement d'un navire.

Maintenant âgé de 80 ans, William Shatner ne semble pas prêt de s'arrêter. Natif de Montréal dans le quartier Côte St-Luc, Shatner a étudié en économie à l'université McGill où un bâtiment porte aujourd'hui son nom.

Certains disaient que Chekov vait été ajouté à l'équipage à la suite d'un article de la Pravda mais il semblerait que ce soit davantage parce que Roddenberry voulait un jeune avec un style reminescent des groupes musicaux The Beatles et The Monkees.

Walter Koenig fut l'un des deux seuls acteurs a avoir auditionné pour le rôle de Chekov, rôle qu'il a eu de façon quasi-instantanée en raison de sa ressemblance avec le chanteur Davey Jones des Monkees.

Outre l'acteur James Doohan, DeForest Kelley, l'interprète du docteur McCoy, est aussi décédé. Il fut emporté par un cancer de l'estomac en 1999 et ses cendres furent dispersées dans l'océan Pacifique.

Quelques faits amusants:

La fameuse phrase «Beam me up Scotty» n'a jamais été prononçée une seule fois.
James Doohan a perdu le majeur de sa main droite durant la Seconde Guerre.
Lucille Ball du studio Desilu a carrément refusé de canceller la série après la première saison.
La longueur de l'Enterprise est de trois terrains de football.
La première navette spatiale fut baptisée Enterprise à la suite de nombreuses lettres envoyées par les fans à la NASA.
Le nom complet de spock est S’chn-T Gai Spock.

Étant fan de la série originale, j'ai pris plaisir à faire un p'tit coin Star trek dans mon salon. Il y a un chandail de capitaine, une maquette de l'Enterprise très bien détaillée ainsi que trois répliques d'objets utilisés dans l'émission soit le «phaser», le «tricorder» ainsi que le «communicator».

A la fin des années 90 j'ai eu le plaisir de rencontrer William Shatner et j'ai pu m'entretenir longuement avec lui. Il m'a parlé de sa passion pour les chevaux mais aussi de ses voyages de camping dans les Laurentides. Très généreux, William Shatner a autographié de bonne grâce mon encyclopédie de Star Trek, livre dont il avait lui-même écrit la préface.

Merci Bill.

En terminant certains seraient peut-être portés à se demander quel est mon épisode préféré. A celà, je n'ai aucune hésitation à répondre: The City on the Edge of Forever. Un épisode d'une grande qualité dans lequel apparaît Joan Collins.

Sinbad et l'oeil du tigre

2011-09-03T20:26:00.006-04:00

1977 est une année qui m'a gâté en films. D'abord La Guerre des Étoiles aucinéma Champlain, puis Sinbad et l'Oeil du Tigre au cinéma Versailles (je parle ici de l'ancien cinéma, pas de nouveau qui n'a pas duré trop longtemps et qui n'est plus un cinéma).

Dans ce film Sinbad (Patrick Wayne) veut demander au prince Kassim (Damien Thomas) la permission d'épouser la soeur de ce dernier, la princesse Farah (Jayne Seymour). Seulement les choses ne vont pas très bien pour le prince Kassim puisqu'il est transformé en babouin (rien de moins) par Zenobia (et vous qui pensiez que Lyne-la-pas-fine n'était pas fine...). Le problème c'est que Kassim est bientôt destiné à être couronné Caliphe et puis, bon, on ne peut pas nommer Caliphe un babouin (insérez ici la balgue politique de votre choix) alors le temps presse pour le pauvre Kassim qui est alors à poil et avec les fesses à l'air.

Sinbad s'embarque donc à bord de son navire en compagnie de la très ravissante Farah afin d'aller trouver un vieux Grec alchimiste, Melanthius (Patrick Troughton) quic ressemble étrangement à Temporel (pour ceux qui se souviennent) qui sait, semble t-il, comment la malédiction de Kassim peut être enlevée.

Sinbad parvient à trouver Melanthius ainsi que sa fille Dione (Taryn Power) qui acceptent d'aider Sinbad. Ce dernier doit mettre le cap sur Hyperboria (ne regardez pas sur Google Maps, ça n'existe pas) où se trouve un pyramide très ancienne qui pourra rendre à Kassim sa forme humaine.

Le problème c'est que Zenobia ne tient pas tellement à ce que Sinbad réussisse alors elle décide de se lancer à sa poursuite. Elle se fait accompagner de son fils Rafi ainsi que d'un minotaure en bronze.

Une de mes scènes préférées est celle où l'équipage de Sinbad fait la rencontre d'un troglodyte, sorte d'homme préhistorique géant avec une corne dans le front. Il apparaît comme une autre bibitte à abattre mais devient soudainement l'allié de Sinbad. Peut-être avait-il l'intention de faire du pâté de Sinbad avec sa grosse mailloche mais il a probablement changé d'idée après avoir vu Taryn Power et Jayne Seymour à poil (insérez ici de nouveau une blague facile avec l'autre mailloche).

J'avoue qu'au moment de voir ce film j'avais beaucoup d'espoir de voir le minotaure de bronze se battre avec l'équipage de Sinbad ou mieux, avec le troglodyte mais bon, le minotaure ne semblait pas avoir beaucoup d'intelligence puisqu'il n'a pas servi qu'a ramer, lance un javelot à un homme qui se noie et, comble d'idiotie, se fait aplatir comme une crêpe par sa propre faute par une grosse roche. De peu qu'une fois la roche tombée sur lui qu'on aurait vu le Road Runner passer rapidement par-dessus lui avec son "meep meep" caractéristique.

Pas que je me suis personnellement plaint de certaines scènes.

Avec l'aide du troglodyte Sinbad parvient à la fameuse pyramide en question mais la pas très sympatique Zenobia, telle le Ministère du Revenu, n'est pas loin, prête à tailler Sinbad en pièces grâce à sa magie noire qui la fait "posséder" un gros smilodon (tigre à dent de sabre) congelé dans la glace.

C'est là que le troglodyte et le gros chat s'affrontent et le pauvre homme des cavernes y laisse deux peaux; la sienne et celle qu'il avait sur le dos. Mais Sinbad arrive à tuer le vilain félin, parvenant in extremis à faire redonner à Kassim sa forme humaine. Ce dernier parvient à revenir à temps à Bagdad pour être couronné.

Il est quand même incroyable de penser que le film avait coûté à l'époque $7 millions de dollars (Star Wars en avait coûté 11, je crois) et que Ray Harryhausen a mis plus d'un an et demi à concevoir les effets spéciaux (qu'il a entièrement réalisé chez lui entre deux brassées de lavage).

D'accord, ce film n'est pas Citizen Kane mais pour le gamin que j'étais c'était exactement le genre de film qui me faisait tripper et qui me fait me rappeler comment c'était cool de grandir dans les années 70.

Le Royaume des animaux

2011-08-27T20:13:00.002-04:00

Séquences du début et de la fin de l'émission (en anglais).

Si vous avez écouté la télé durant les années 70 il est à peu près impossible que vous n'ayez pas vu l'émission "Au royaume des animaux", surtout si vous étierz gamin dans le temps.

L'émission commençait toujours par cet élégant personnage aux cheveux blancs, debout en complet veston cravate, dans un salon quelque peu colonial. Il approchait un tableau et expliquait alors l'animal du jour. S'ensuivait alors un reportage sur l'animal en question filmé dans son habitat naturel.

Ce personnage était Marlin Perkins un zoologiste qui commença sa carrière en 1926 au jardin zoologique de St-Louis au Missouri. Il débuta en bas de l'échelle complètement, travaillant à entretenir les lieux. Il gravit ensuite les échelons et devint le responsable des reptiles en 1928. En 1937 il devint conservateur au zoo de New-York à Buffalo et en 1944 il prit en charge la direction du zoo Lincoln Park à Chicago. En 1962 il retourna là où il avait débuté, au zoo de St-Louis, mais en tant que directeur cette fois. Un an plus tard il devint l'hôte de la célèbre émission "Wild Kigdom" avec la Mutuelle D'Omaha comme commanditaire.

L'émission était très intéressante et son format comportait quelques éléments amusants. Il y avait d'abord la publicité quelque peu subtile qui s'associait aux sujets de L'émission. Par exemple on disait que tout comme la lionne protège ses lionceaux les gens peuvent protéger leurs enfants avec une police d'assurances de la Mutuelle d'Omaha.

Ensuite il y avait Jim Fowler, celui qui s'aventurait près des animaux, peu importe qu'ils soient dangereux ou non, pendant que Perkins observait loin derrière en sécurité. "Restons ici dans l'abri et observons Jim traverser cette rivière infestée de crocodiles pour aller circoncire cet éléphant d'Afrique là-bas!" Evidemment j'exagère un brin mais Jim s'est déjà débattu avec un boa constrictor pas content du tout pendant que Perkins décrivait la scène comme un combat de lutte. Ce genre de scène n'a pas manqué d'inspirer de nombreux comédiens.

L'émission a toutefois eu le mérite de faire entrer des images de pays lointains et d'animaux exotiques dans les foyers d'Amérique du Nord et de conscientiser les gens à l'écologie et à l'environnement. Marlin Perkins est décédé du cancer en 1986 et Jim Fowler n'a pas été bouffé (chose surprenante) par une ours, lion, tigre ni écrabouillé par un rhinocéros. Au moment d'écrire ces lignes Jim est toujours bien vivant.

Cette chronique n'était pas une présentation de la Mutuelle d'Omaha, une compagnie d'assurance américaine qui existe encore aujourd'hui et dont les activités canadiennes ont depuis été rachetées par la Banque Royale.

Rajout (29 août 2011): Une fidèle (du moins je l'espère) lectrice de ce blogue, Lady Jaye, que je remercie sincèrement, m'a fait mention d'un court segment en français. Que voici:

L'art de se faire avoir

2011-08-24T21:54:00.001-04:00

Quand je suis sorti du cinéma Champlain, ce fameux dimanche après-midi de juin en 1977, j'avais juste envie de retourner à l'intérieur pour revoir Star Wars encore une fois. C'était évidemment pas possible. D'abord y'avait une file de gens encore plus longue que celle dans laquelle j'avais été deux heures avant et puis il aurait fallu racheter des billets de cinéma. Les clubs vidéo n'existaient pas alors si on voulait se taper de nouveau un film fallait payer une nouvelle fois.

Un mois et des poussières plus tard on est allé faire l'épicerie au Dominion des Galeries d'Anjou, comme on le faisait à chaque samedi matin. En finissant il y avait toujours des commissions à faire ici et là mais moi, rendu à presque onze ans, pas question de suivre. On se donnait rendez-vous en quelque part à une heure donnée, je quêtais quelques dollars et disparaissais de mon bord. Evidemment y'avait l'arcade de jeu à côté de l'animalerie qui demandait mon attention immédiate mais ça arrivait aussi que je fasse un saut chez Discus (pour ceux qui se souviennent de cette franchise) dans l'allée qui mène au Sears. Alors ce jour-là je suis entré comme ça chez Discus sans but précis et voilà ti-pas que j'ai apperçu ceci:

C'est un disque. C'est marqué Star Wars. What could go wrong?

La bande sonore de Star Wars! Waaaaa! J'ai flippé la pochette de bord pour regarder le prix puis j'ai plongé la main dans ma poche pour voir si j'en avais juste assez. J'ai payé à la caisse, fier comme un chameau de mon achat.

De retour à la maison j'ai filé dans ma chambre, déchiré le cellophane, retiré le disque de la pochette et l'ai plaçé sur mon tourne-disque Dorchester avec ses haut-parleurs tout-en-plastique-mais-qui-jouaient-très-bien. Fébrile, j'ai posé l'aiguille sur le disque pour entendre ceci:

Là, je comprenais pas pantoute. C'était quoi ce truc de synthétiseur à la con? Pendant que le disque continuait de jouer je réalisais que je m'étais fait fourrer assez sérieusement. A cette époque-là je ne parlais pas l'anglais pas plus que je pouvais le lire. Si ça aurait été le cas j'aurais pu lire le message d'intérêt bien imprimé sur le devant de la pochette en haut à droite:

!"/$%?&*

Ce disque avait été pondu par un [supposé] groupe nommé Electric Moog Orchestra dont on ne sait finalement pas grand chose (même aujourd'hui). Les tounes suivaient grosso-modo les compositions originales au début mais peu de temps àprès ça se mettait à dérailler dans des trucs assez abstraits. Est-ce que le disque était forcément mauvais? Pas tant que ça mais ma frustration venait davantage du fait que je croyais sincèrement avoir acheté la véritable bande-sonore de Star Wars.

Malgré tout je dois dire que n'importe quel geek qui se respecte devrait avoir ce disque dans sa collection. Points bonus si vous avez acheté ce truc en croyant que c'était le real deal.

La liste

2011-08-20T19:44:00.002-04:00

C'était pas mal toujours comme ça. J'avais pris le rhytme des vacances. A tout faire et ne rien faire tout à la fois. Pas d'horaire. Pas de réveil. Pas obligé d'aller au lit de bonne heure. Pour moi c'était une bénédiction parce que j'ai toujours été couche-tard. Deux mois pas d'école, on s'habitue assez vite.

Le mois d'août était à peine commençé qu'arrivait cette calamité. L'enveloppe en provenance de l'école et qui tombait dans la boîte aux lettres était un peu comme un éléphant qui vient se taper une diarhée au blé d'inde dans la piscine gonflable dans laquelle vous pataugez avec vos petits bateaux en plastique. Métaphore douteuse mais qui illustre assez bien l'effet que cette lettre puante me faisait. Pas que je détestais l'école proprement dit, mais bien parce que la lettre se faisait comme le clairon qui annonçait la fin des vacances.

C'était, vous l'avez peut-être deviné, la fichue liste des effets scolaires à acheter. Rien d'exhaustif ni de bien compliqué. Dans le temps c'était à peine la moitié d'une page. quelques paquets de feuilles mobiles. Quatre cahiers d'exercice, quatre duo-tangs, un cartable, des crayons à mine, quelques crayons à encre, une efface (ou deux) et une perforatrice.

Et c'est tout.

Pas comme aujourd'hui où la liste arrive en huit volumes. Plus l'index. Sans compter toutes les bébelles électroniques in-dis-pen-sableuuuu comme l'ordinateur portable, le lecteur numérique, iCochonneries et autres coprolithes technos.

Je me souviens du jour où les calculatrices sont devenues relativement abordables. Mais si vous pensez qu'on avait le droit de les utiliser durant les cours vous faites erreur. Ah, pour les devoirs c'était autre chose. Le prof, il n'était pas dans nos chambres à nous surveiller. Ho ho hi. Sauf que le lendemain, quand il nous demandait d'expliquer la méthode de calcul utilisée, ben, on frappait un mur.

La liste des effets scolaires de l'époque avait aussi un autre avantage, outre celui d'être courte. Pas de livres à acheter. Sinon le Bescherelle. Les autres étaient déjà à l'école dans une armoire. Ces livres n'étaient pas neufs, au contraire. Ils avaient souvent servi à d'autres élèves durant les années précédentes. On pouvait même savoir qui les avaient eu. Comment? A cause de l'ex libris. Il s'agissait d'un papier collé à la fin du livre et où on devait inscrire l'année, notre nom ainsi que notre classe. Le livre nous servait durant toute l'année scolaire après quoi on le rangeait dans l'armoire afin qu'il puisse servir de nouveau aux autre élèves qui nous suivraient en septembre prochain.

Si l'arrivée de la liste terrifiait, elle ne terrifiait certainement pas les parents. Le peu de choses à acheter ne signifiait qu'une courte visite à la papeterie du coin. Si, parce que les Gros Bureaux et autres endroits du genre ça existait pas. Dans mon cas c'était la papeterie Léo sur Beaubien et qui existe encore aujourd'hui. Ce qui était marrant quand on y allait pour aller chercher les fournitures c'était d'y rencontrer d'anciens camarades de classe. Ils affichaient tous cet air un peu penaud, un tantinet défait. Les vacances s'amenuisaient comme peau de chagrin. Les quelques semaines restantes deviendraient des jours, puis des heures... On aurait bien aimé étirer les vacances un peu plus mais bon. La rentrée, on le savait bien, était inéluctable.

Réponse au quiz #8

2011-08-14T22:39:00.003-04:00

Quelques approximations mais malheureusement aucune réponse complète. La capture d'écran de la question-quiz est tirée du film Batman tourné en 1966. Attention, je dis bien film, et non série télé. Le producteur William Dozier (Greenway Productions) voulait produire un film destiné au grand écran afin de générer de l'intérêt pour la série TV Batman qu'il proposait. En raison des coûts de production le film ne fut tourné qu'à la fin de la première saison, au printemps de 66.

Dans cette scène on voit Adam West qui roucoule avec la très jolie Lee Meriwether que l'on a aussi pu voir dans la série The Time Tunnel (Au coeur du temps) ainsi que The Fugitive (Le fugitif). Elle joue évidemment ici le rôle de Catwoman.

Question quiz #8

2011-08-13T14:58:00.001-04:00

Voici maintenant une autre question-quiz, la huitiere, et gracieuseté de Rétropluche. Est-il encore nécéssaire d'élaborer les règles? Absolument pas, puisque vous savez fort bien qu'il faut identifier la source de l'image (film ou série télé) ainsi que les noms de ceux qui si trouvent. Alors voilà. Aussi, cette image ne donnera rien dans une recherche par image de Google puisque c'est une capture d'écran d'un DVD. Mouhahahaha!

C'est l'heure des p'tits bonhommes

2011-08-10T19:57:00.003-04:00

Les joyeux naufragés

2011-08-06T16:15:00.001-04:00

Si vous êtes assez vieux vous vous souvenez sans nul doute de cette comédie américaine intitulée en anglais "Gilligan's Island". La série fut diffusée sur les ondes du rése4au CBS de septembre 1964 à septembre 1967.

L'histoire est relativement assez simple; cinq personnes utilisent les services d'un capitaine et de son matelot afin d'aller faire une promenade d'à peine trois heure dans les environs d'Hawaï à bord d'un bateau, le S.S. Minnow. Une tempête en mer surgit et le bateau s'échoue sur le rivage d'une île déserte et les sept occupants deviennent dès lors des naufragés. Toute la série se déroule sur cette île.

Le capitaine du S.S. Minnow est le capitaine Jonas Grumby joué par Alan Hale Jr. Son matelot est Gilligan (auncun nom de famille n'a jamais été mentionné) joué par Bob Denver. Parmis les passagers on retrouve un couple de millionnaires, Thurston Howell III ainsi que son épouse Eunice Wentworth Howell, joués respectivement par Jim Backus et Natalie Schafer. On retrouve aussi la vedette de cinéma Ginger Grant campée par Tina Louise, le professeur Roy Hinkley joué par Russell Johnson ainsi que Mary Ann Summers interprètée par Dawn Wells.

L'île sur laquelle les personnages échouent était évidemment une île fictive mais celle que l'on apperçoit à divers moments de la série est Coconut Island, une des cinq îles situées dans la baie de Kane'ohe à Hawaï.

Gilligan's Island, comme bien des séries de cette époque, ne se prenait pas au sérieux et la dernière chose dont se préoccupaient les scénaristes étaient justement le réalisme. C'est pourquoi l'île recelle plein de trucs invraisemblables dont une mine d'or. On y voit même un chimpanzée et un gorille, des animaux d'Afrique qui n'ont visiblement pas leur place dans une île du Pacifique.

Les invraisemblances ne s'arrêtent évidemment pas là puisque les naufragés parviennent à se doter d'une quantité impressionnante de trucs fabriqués en bambou et autres matières dont des tuyaux d'eau chaude, un ensemble de salle à dîner et les huttes dotées de tout le confort imaginable. Cepandant, ils sont dans l'incapacité totale de réparer, avec les mêmes matériaux, les quelques trous dans la coque du S.S. Minnow. Aussi, la radio portative que les naufragés écoutent à satiété est munie de piles inépuisables et qui plus est, chaque fois qu'ils ont besoin d'un renseignement particulier ils n'ont qu'a l'allumer pour entendre juste à ce moment-là toutes les réponses à leurs questions.

Lorsque la troisième saison prit fin les comédiens reçurent la confirmation que la série serait renouvellée pour une quatrième saison et tous s'en allèrent en vacances. Malheureusement CBS décida d'annuler la série à la dernière minute. Certains affirmèrent que c'est le remplacement de l'émission dans la plage horaire par une autre série fort populaire, Gunsmoke, qui aurait été responsable de l'annulation de Gilligan's Island. William S. Paley, le grand patron de CBS était d'ailleurs connu pour être un grand fan de Gunsmoke.

Au moment d'écrire ces lignes il ne reste que trois comédiens vivants; Tina Louise (Ginger), Dawn Wells (Mary-Ann) et Russell Johnson (le professeur). Jim Backus (le millionnaire) combattait depuis un certain le Parkinson lorsqu'il mourrut à l'âge de 76 des suites d'une pneumonie le 3 juillet 1989. Ce fut ensuite au tour d'Alan Hale jr qui décéda des suites d'un cancer de la glande thyroïde le 2 janvier 1990 à l'âge de 68 ans. Natalie Schafer (l'épouse du millionnaire) quant à elle succomba des suites d'un cancer le 10 avril 1990 à l'âge de 90 ans et finalement Bob Denver nous quitta le 2 septembre 2005 à l'âge de 70 ans d'une pneumonie contractée alors qu'il combattait un cancer du larynx.

Saviez-vous que...

Certaines séquences extérieures dans le générique d'ouverture ont été tournées peu de temps après l'assassinat de John F. Kennedy en 1963. Vers la 23è seconde du générique de la première saison on peut voir le S.S. Minnow qui quitte la baie et derrière on apperçoit un mât avec le drapeau américain en berne.

Quatre bateaux ont "joué" le rôle du S.S. Minnow.

Le S.S. Minnow tire son nom de Newton Minnow, le président du FCC américain (Federal Communications Commission) qui disait à l'époque que la télévision n'était qu'un vaste dépotoir.

Les studios où furent tournés les épisodes de la série furent ultérieurement utilisés pour "The Mary Tyler Moore Show".

Un peu de vacances dans notre été de 1980

2011-07-27T20:14:00.000-04:00

Je sais, il est tranquille le Rétropluche ces temps-ci. En fait c'est le Pluche tout court qui l'est. Tenez, regardez la photo plus haut. C'est moi ça. Grand, mince et athlétique. Comment? Le Pluche a déjà été comme ça?

Cette photo-là a été prise au tout début de l'été 1980. L'école venait tout juste de se terminer. Nous avions quitté en chantant cette fameuse chanson; «...l'école en feu et les profs dans l'milieu!». Et là, c'était le début des vacances. Deux mois et quelques de pur bonheur, sans foutus devoir ni fichues leçons. L'été 1980 c'est l'été où j'ai découvert Pat Benatar avec son disque Crimes of Passions. Il est dans ma discothèque, probablement fichu entre la trame sonore de Star Wars et Livraison par en arrière de Plume Latraverse.

Le vélo sur lequel je suis si fièrement accoté a été mon premier dix-vitesses, acheté en 1979 au Centre du Vélo sur Beaubien. Il remplaçait mon vieux motocross. Primo, j'était rendu trop grand pour le motocross. Je m'envoyais des coups de genoux en-dessous de la mâchoire quand je pédalais. Deuzio, la fourche avait cassé là où y'aurait fallu une soudure de pro. Tant
qu'a dépenser, et à regarder le grand fouet que j'étais devenu, on s'est dit qu'il valait sûrement mieux d'y aller avec un nouveau vélo mieux adapté.

Une bien belle bécane quoiqu'un peu capricieuse sur les changements de vitesse. C'est avec ce vélo que j'ai agrandi mon territoire «explorable» et je me suis permis des escapades loin de la maison. Très loin même. C'est avec cette bécane que j'ai eu mon premier vrai accident, peu de temps après que cette photo ait été prise. Un glorieux face à face à grande vitesse avec un autre cycliste au parc Maisonneuve.

Crash!

Pas de rage au guidon. Pas de foire d'empoigne. On s'est écrasé tous les deux dans le gazon pas loin de la piste.

- T'es sonné. Qu'il m'a demandé.

- Ça ouais. Tu vois les nuages dans le ciel? Ben ils tournent comme un 33-tours.

- Même chose ici.

- C'que ça cogné, hein?

Et on s'est mis à rire comme deux enfoirés parfaitement avinés. Quand les étourdissements se sont quelque peu évaporés on a repris chacun notre chemin après une poignée de main. La seule conséquence a été une roue avant toute croche et un mal de bloc majestueux qui n'a duré que quelques heures. Dans le temps les casques on ne mettait pas ça.

Quand t'as la tête dure.

En 1981 j'étais paré pour une randonnée cycliste Montréal-Tadoussac. Trois jours avant le départ j'ai eu une collision avec une voiture. Pas de sa faute. Pas de la mienne. Bête accident, comme c'est souvent le cas. J'ai fait un vol plané par contre. Un peu comme ces mannequins qu'on utilise dans les tests de collision pour les voitures. Puis y'a eu cet atterissage forcé. Si j'aurais bondi un peu plus haut j'aurais pu activer un parachute. Mais j'en avais pas. Alors je me suis écrasé lourdement. Un son pas très joli. Le crac résonnant était celui de ma caboche, je crois, sur l'asphalte. Et puis le reste.

Face contre le sol, quelque peu désarticulé et le cul dans les airs, tout était écho. Vous savez, comme quand on écoute dans un gros coquillage. Dont la voix de cette dame. Elle était infirmière et venait de terminer son quart. Très gentille au demeurant. Très surprise que j'étais encore bien conscient.

Quand t'as la tête dure.

Bougez pas. Vous avez peut-être quelque chose de cassé. Qu'elle me dit. Et asseoyez-vous
sur le bord, qu'elle rajoute. Parce que l'idiot comme j'étais se tenait debout à regarder son
vélo plié en deux au milieu de la rue. Pas d'ambulance. C'est la police qui est venue me cueillir. Ils ont mis mon vélo dans la valise et moi je me suis installé à l'arrière. J'ai donné mon adresse. J'vous dis pas la consternation de ma mère.

Misère.

Un p'tit tour à l'hôpital. Rayons X et tout. Rien de cassé, heureusement. Quelques bonnes
contusions. Et une conseil du doc à ma mère.

Il l'a tiré un peu en retrait. Comme il s'est fracassé le crâne sur le bitume, lui a t-il dit, réveillez-le durant la nuit. Et assurez-vous qu'il soit bien réveillé avant de le laisser se rendormir. Parce que sinon il risque de pas se réveiller du tout. J'avais très bien entendu.

Et très mal dormi.

Amanché comme j'étais, la décision de partir lundi me revenait. J'y vais-tu, J'y vais tu pas? Je marchais comme les p'tit vieux dans les dessins-animés. Et j'avais mal partout. Je savais
que pour plusieurs jours je serais physiquement un ado de 90 ans. J'ai pas tourné la question bien longtemps. Et l'après-midi même je me suis acheté un autre vélo chez Marseilles Cycle & Sport. Un Raleigh Challenger bleu avec lequel je suis parti le lundi suivant pour Tadoussac. Tout cabossé et contusioné que j'étais.

Quand t'as la tête dure...

Gaaaaa!!!

2011-07-17T14:54:00.000-04:00

Ne riez pas. Quelqu'un, quelque part durant les années 70 a acheté une voiture usagée de cet homme. Enfin, je pense qu'il s'agit d'un vendeur de voitures usagées. Peut-être était-il un agent secret «in disguise»? Assuré, avec cette coupe, ce style et ses couleurs que toutes les femmes tomberaient à ses pieds. Brasser les clés de son Buick Skylark en déposant son verre vide était sûrement pour lui un message subtilement nuançé destiné à la femme rencontrée dans un bar miteux aux murs en velours rouge et des ponpons tout le tour du bar. Allez bébé, viens avec moi et je vais peinturer les murs de la chambre d'hôtel avec ta sueur et tes cris d'amour.

Batmobile

2011-07-14T22:35:00.001-04:00

Modèle intéressant de la Batmobile qui est aujourd'hui très difficile à trouver. C'est une réplique de la voiture utilisée pour l'émission complètement débile des années 60 que fut Batman. Il y a eu aussi un modèle à coller de format un peu plus petit (et tout aussi dur à trouver) mais j'aurais jamais été capable de faire une aussi belle finition.

La voiture était basée sur un Ford Futura.

Le concepteur était le réputé George Barris.

La voiture valait quelque chose comme $125,000 en 66. Valeur aujourd'hui? $2 millions.

Évidemment fallait que ces deux-là s'en mêlent.